CINERAMA JUILLET Web

SAINT GAUDENS & CAHORS

Le Mensuel des salles indépendantes

J U I L L E T

2 0 1 7

4,80 Euros

Cinéma Le Régent
16 rue de l’indépendance
31800 St Gaudens
05 62 00 81 57
www.cineregent.com

Cinémas de Cahors (ABC & Le Quercy)
24, rue des Augustins
46000 Cahors
05 65 30 17 74
www.cinemas-cahors.fr

C’est à l’initiative de deux équipes, celles du cinéma Le Régent à Saint
Gaudens et des Cinémas de Cahors, que nous vous proposons ce
nouveau rendez-vous mensuel : Cinérama.
Ce cahier est né d’un désir commun de mettre en lumière des films
différents qui méritent d’être vus : nous souhaitons défendre avec vous
l’intérêt porté à des films peu visibles à travers une programmation
originale de films variés.
Pourquoi « Cinérama »? À l’origine, le Cinérama est un procédé de
projection cinématographique qui consiste à projeter un film sur trois
écrans, à l’aide de trois appareils. Une projection « extra large » donc, qui
correspond à notre envie d’élargir la diffusion de certains films, afin de
partager ensemble notre amour du cinéma en salle.

Graphisme : Stéphane Chabrier.com
Papier Recyclé - Imprimé par Rapid-Flyer

NE PAS JETER SUR LA VOIE PUBLIQUE

Du 26 Juillet au 1er Août

I am not Madame Bovary
Chine
2h18mn

Film de Feng Xiaogang
Comédie dramatique

Feng Xiaogang : « Pourquoi une si petite chose se transforme-t- elle
en un si gros incident ? C’est une histoire très chinoise qui ne peut
se dérouler que dans un contexte chinois. »
Lian se rend chez un juge pour demander un divorce qui a déjà été
prononcé : elle et son mari Qin ont pratiqué un divorce « blanc »
pour obtenir un second logement. Mais Qin en a profité pour
se remarier, et le faux divorce est devenu un vrai. Déterminée à
ne pas se laisser faire, Lian entame une procédure judiciaire qui
l’amène à se retourner contre des haut-fonctionnaires. Son combat
durera des années. Son histoire reflète un phénomène réel en
Chine, où une loi de 2013 a poussé des couples à divorcer pour un
logement, et a permis à certains hommes de quitter leur femme.
Adapté du roman de Liu Zhenyun intitulé Je ne suis pas une garce,
le film a gardé cette même verve incisive qui caractérise le livre, et

par là, le réalisateur dénonce le fonctionnement de la bureaucratie
chinoise. I Am Not Madame Bovary trace le portrait d’une femme
déterminée, prête à tout pour faire entendre sa parole et conserver
sa dignité, alors même qu’elle est empêtrée dans une situation
absurde et sans issue. L’impression de voyeurisme qui se dégage
est renforcée par l’utilisation d’un cadre circulaire, inspiré des
peintures chinoises, et qui octroie à cette œuvre une grande
originalité.
F. Xiaogang : « Bien sûr, on a été confronté à des problèmes tels
que la censure ou la régulation. Et c’est pourquoi beaucoup de
réalisateurs chinois ne se risquent pas à parler de tels sujets : ils
n’ont pas envie d’avoir de problèmes. Mais l’humour à l’œuvre dans
le scénario a pu apaiser de telles tensions. »

Ava

PRIX SACD SEMAINE DE LA CRITIQUE CANNES 2017
« Tu es en enfer, il fait beau, les gens ont l’air heureux, mais croismoi, c’est bientôt la fin de notre civilisation […] regarde autour de
toi, tu n’y verras que du noir. »
Un grand chien noir se promène sur la plage entre les touristes et
réveille Ava, 13 ans, en vacances avec sa mère. Mauvais présage
ou présence rassurante ? Peut-être un peu des deux : la jeune
fille apprend qu’elle perd la vue, et va donc voler ce chien pour
s’entraîner à être aveugle. Mais très vite, elle s’intéresse plus à
son propriétaire, Juan, un jeune gitan avec qui elle va vivre ses
premiers émois… Le premier long métrage de Léa Mysius est « un
film sur le corps et les éléments : le vent, le sable, l’eau… la matière
en général. C’est un film d’été plein de couleurs et de soleil. » S’en
dégage de magnifiques scènes, lumineuses, sensibles, drôles et

Du 26 Juillet au 1er Août

touchantes. Mais loin de rester en surface, Ava explore l’évolution
d’une adolescente qui, confrontée à l’urgence de profiter de sa vie
et de sa vue, change, prend conscience de son corps et se découvre
à mesure qu’elle découvre le monde. Cette œuvre audacieuse et
piquante, à mille lieux d’un sentimentalisme mièvre, « décolle du
naturalisme pour aller vers le surréalisme, du réel pour aller vers le
fantasme. » (Léa Mysius)
Léa Mysius, à propos de la musique du film : « Au fur et à mesure
qu’Ava devient aveugle, ses sens se développent, elle s’ouvre,
fait confiance aux autres, tombe amoureuse. Le même thème se
déploie petit à petit jusqu’à se résoudre. L’harmonie se trouve.
Parce qu’en définitive, Ava est une histoire d’amour. »

France
1h45mn
Film de Léa Mysius
Comédie dramatique

Du 05 au 11 Juillet

Visages Villages
France
1h29mn
Film d’Agnès Varda et JR
Documentaire

PRIX ŒIL D’OR DU MEILLEUR DOCUMENTAIRE AU FESTIVAL DE CANNES 2017
JR (à propos d’Agnès Varda)  : «  Elle sent les choses, comme un
7e sens. Le cinéma c’est le 7e art, elle a un 7e sens. Des fois, elle
pourrait même filmer les yeux fermés. » A. Varda : « J’ai une vision,
mais pas une bonne vue. »
C’est l’histoire d’une rencontre. JR, 33 ans, photographe et
créateur de galeries de photographies géantes en plein air. Agnès
Varda, 88 ans, cinéaste emblématique de la nouvelle vague.
Malgré leur différence d’âge, ils partagent la même passion pour
les images, le même questionnement sur les dispositifs pour les
partager, sur les lieux… Ils prennent la route dans le camion de
JR, et partent à la recherche de personnes à photographier dans
les villages français. Au gré des rencontres, fruits du hasard ou
préparées, ils tracent un portrait de la France, des campagnes, des

gens. Mais c’est aussi un film sur une amitié qui se tisse au fur et
à mesure de leur périple, un documentaire rempli d’humour, de
tendresse, de sensibilité et de la malice qui caractérise la cinéaste.
A travers certaines paroles se tisse également une réflexion sur le
temps qui passe, les traces, la vieillesse et la mort.
A. Varda : « Ce qui est intéressant, c’est que j’ai tendance à valoriser
les gens que je filme. Je les valorise en les écoutant, en montrant
leurs propos. Et JR les valorise en les mettant en très grand sur des
murs, c’est-à-dire que les gens deviennent des héros de leur village,
de leur endroit, par la grandeur du collage. C’est la même chose :
on met les gens en valeur, on a envie que les gens qui vont au
cinéma les rencontrent. »

Du 05 au 11 Juillet

Psiconautas

GOYA DU MEILLEUR FILM D’ANIMATION 2017 - INTERDIT AUX MOINS DE 12 ANS
Alberto Vázquez : « Personne d’autre que soi n’est plus à même de
se sauver ; nous ne pouvons pas laisser notre bonheur dans les
mains des autres. »
Dinky veut s’échapper du foyer parental et partir loin de son
île, dévastée par un désastre écologique. Avec l’aide de deux
amis, elle prépare son voyage, en cultivant l’espoir que Birdboy
l’accompagne. Ce dernier, coupé du monde depuis la mort de son
père, tente d’échapper aux chasseurs qui le traquent ainsi qu’à la
réalité, et se drogue pour chasser ses démons. Cette fable d’une
grande noirceur, directement adaptée de la bande dessinée à
succès d’Alberto Vázquez, traite de plusieurs problématiques
contemporaines  : l’émancipation des adolescents, la drogue
comme moyen d’évasion, la pollution, le chômage, la
discrimination, etc. L’intrigue est donc très ancrée dans la réalité,

tout en gardant une grande part de fantastique : les protagonistes,
des animaux anthropomorphes, cohabitent avec des démons  ;
les objets du quotidien prennent vie (ce qui donne lieu à des
moments hilarants)  ; les âmes des oiseaux morts tentent tant
bien que mal de reconstruire une oasis de vie au milieu d’une
terre désolée… Psiconautas signifie « voyageurs de l’esprit », une
formule qui convient parfaitement à cet univers cauchemardesque,
où l’imagination semble le seul moyen de s’en sortir.

Espagne
1h15mn
Film de Pedro Rivero & Alberto Vázquez
Animation, Drame

Pedro Rivero : « Peut-être que chaque jour nous comprenons mieux,
nous sommes davantage conscients que ce monde parfait dans
lequel nous croyons vivre est sous la coupe d’un développement
industriel disproportionné. Ce monstre dévore tout ce qu’il
prétendait nous garantir, à commencer par notre bonheur. »

Du 12 au 18 Juillet

Retour à Forbach
France
1h18mn
Film de Régis Sauder
Documentaire

Régis Sauder  : « Ce film est une déclaration d’amour, complexe
certes mais comme dans toute relation amoureuse. Car dans
l’amour, il y a à la fois du désir, de la répulsion et du combat. »
Régis Sauder revient à Forbach, petite ville minière de Moselle où il
a grandi. Comme tant d’autres enfants de sa génération, il a quitté
ce lieu il y a 30 ans pour fuir la pauvreté, les souvenirs violents
et la décadence de l’ère post-industrielle. Les années ont passé,
sa honte envers son milieu s’est apaisée, et c’est avec un regard
curieux qu’il pointe sa caméra sur ceux qui sont restés. Retour à
Forbach est un film est intime, fondé sur l’histoire personnelle
du cinéaste, une réflexion sur la mémoire, la transmission. Mais
c’est aussi un état des lieux du pays, car les actualités influent sur

la direction que prend le scénario. En effet, c’est en 2014, avec
l’arrivée de Florian Philippot en tête du premier tour des élections
municipales que le tournage débute. Pendant deux ans, il écoute
d’anciens camarades, rencontre la nouvelle génération, filme le
vide qui a envahi sa contrée natale.
R. Sauder  : «  En revenant filmer à Forbach, j’ai prouvé mon
attachement aux gens et aux lieux. Le film contient le double récit
de mon parcours personnel et une réflexion politique à partir de
la montée du FN, qui questionne et inquiète les protagonistes.
L’espace du film est celui de l’énonciation de leur parole. Ils sont
tous en effet porteurs de pensée. Ils réfléchissent leurs vies, leur
ville. Je dirais que c’est le «  trésor de Forbach ».» 

Du 12 au 18 Juillet

Salim Shaheen : « On était blessés, mais on a terminé le film, pour
l’amour de l’art. »
Réalisateur, acteur, producteur, chanteur, ex-militaire, mais surtout
artiste, Salim Shaheen est le plus grand cinéaste d’Afghanistan.
Avec plus de 110 films à son actif, dans un pays où l’industrie
cinématographique n’existe pas, il est très populaire et parvient
à vivre de son cinéma. Shaleen réalise ses films avec rien, si ce
n’est une simple caméra numérique, personne à part ses amis et
sa famille. Musicaux, mélos, comiques, guerriers, dramatiques,
ou tout cela en même temps, ses longs métrages, que l’on peut
catégoriser « Série Z » , sont diffusés au cinéma puis vendus en
DVD. Sonia Kronlund, une habituée de ce pays où la guerre fait
rage depuis 30 ans, l’a suivi pendant son 111e tournage. Ce
documentaire est le portrait incroyable d’un homme excentrique,
passionné de cinéma indien depuis tout petit, qui réalise son rêve

d’enfant. « Si j’avais les moyens de Scorsese, je ferais des films bien
meilleurs que les siens ! », déclare-t-il dans une interview. À l’arrière
plan, les morts s’enchaînent, les femmes sont privées de liberté (on
ne les montre d’ailleurs pas à l’écran) et le danger est omniprésent.
Mais Shaheen semble n’avoir jamais peur, il a foi en la vie, en Dieu
et surtout en son art.

Nothingwood
France/Afghanistan
1h25mn
Film de Sonia Kronlund
Documentaire

Sonia Kronlund : « C’est un bonimenteur incroyable qui garde en lui
quelque chose de profondément enfantin, ce rêve de faire des films
avec ses copains. Lui et son équipe sont comme des gosses dans la
cour de récréation qui jouent au cinéma. La magie du cinéma les
sauve d’un quotidien peu réjouissant. Shaheen est un homme assez
complexe mais sa part d’enfance me semblait universelle. Au début,
c’est cette part d’enfance qui m’a attirée, cette naïveté et puis j’ai
découvert bien d’autres aspects surprenants. »

Du 19 au 25 Juillet

Creepy

Japon
2h10mn
Film de Kiyoshi Kurosawa
Thriller

Kiyoshi Kurosawa : « C’est un film qui permet d’explorer toute la
noirceur que peut contenir l’être humain, et d’une certaine façon
d’explorer l’étendue des ténèbres. »
Takakura, un ex-détective devenu professeur en criminologie,
s’installe avec sa femme Yasuko dans un quartier de banlieue.
Tandis qu’il se lance, avec l’aide d’un ami policier, dans une
vieille enquête à propos d’une famille disparue, Yasuko fait la
connaissance d’un voisin étrange, Nishino. Pour son retour au
thriller psychologique (dans la lignée de Retribution et Cure),
Kurosawa s’immisce dans les méandres de l’urbanisme japonais,
dont ressort une terreur oppressante. Les personnages sont tels des
automates dévitalisés, vivant dans des maisons interchangeables,

dans des quartiers sans âme. C’est dans cet environnement que se
glisse, sournoisement, un psychopathe qui, se servant des fêlures
des gens, leur offre une sorte d’oubli d’eux-mêmes… Incarné
par de superbes comédiens (deux actrices habituées des films
d’horreur japonais ; un Teruyugi Kagawa (Nishino) impressionnant
par sa capacité à se déformer), Creepy porte bien son nom, et nous
glace par la sensation d’impuissance qu’il procure.
K. Kurosawa  : «  Creepy oscille entre ordinaire et extraordinaire.
J’aime le fait qu’une histoire se transforme progressivement en
quelque chose de fantastique. Il y a parfois des fantômes qui
apparaissent dans mes films et j’aime les situer dans des cadres
plutôt ordinaires et familiers. »

Du 19 au 25 Juillet

Barbet Schroeder à propos de Wirathu : « Le mal est plus compliqué
qu’il en a l’air. Quand on s’y approche, il a des tas de côté normaux. »
Le vénérable W est le dernier film documentaire de la « trilogie
de l’horreur » initiée par Barbet Schroeder en 1974 avec le film
Général Idi Amin Dada : autoportrait, puis poursuivie par L’Avocat de
la terreur (consacré à Jacques Vergés) en 2007. En 2017, la caméra
de Schroeder tente de percer la naissance puis l’influence profonde
du discours de haine propagé par Wirathu, un moine bouddhiste
birman, voué à la persécution et à l’extermination d’une population
: celles des musulmans de Birmanie, et particulièrement la
minorité des Rohingyas. A priori tourné vers la personnalité de ce
W (Schroeder se refuse à prononcer son nom dans les interviews),
le film se double d’une réflexion sur la spiritualité du bien, le
bouddhisme (avec en son coeur la bienveillance), qui a aussi
une face noire et qui est ici une force politique considérable qui

oblige les dirigeants à s’en accommoder. Le film est également une
démonstration implacable sur la force du discours : comment la
parole d’un homme peut se transformer en faits dans une société
donnée, et comment un discours peut en cacher un autre. Nous,
spectateurs, sommes dans une position qui nous laisse une liberté
rare au Cinéma : être maître de notre propre jugement.
Barbet Schroeder : « Un documentaire, c’est bien sûr la réalité, mais
il ne faut pas nier que c’est aussi du cinéma, avec un personnage de
cinéma, qui fait une performance. La succession des plans c’est de la
mise en scène, le montage aussi, on met les choses en perspective.
Tout un travail de fiction s’impose dans le documentaire. La ligne
jaune se situe au niveau des choses qu’on ne doit pas faire pour des
raisons d’éthique, et il se trouve que si on les fait, ce n’est pas que
malvenu ethniquement, c’est aussi de mauvais goût. »

Le vénérable W.
France/Suisse
1h40mn
Film de Barbet Schroeder
Documentaire