Histoire de l'art cours
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FAVEL EVA
HISTOIRE DE L'ART
2015/2016
5 Oct
Cours de méthodologie
Il y a 2 approches d'analyse : l'iconographique et plastique. La première consiste a savoir le sens de
l’icône ( signification;mvt;époque etc..) ; La deuxième est de voir les moyens utilisés pour l’œuvre.
Il n'y a eu que de la peinture figurative jusqu'à 1910. Au début du XX°s, les artistes vont se tourner
vers l'abstrait au lieu du figuratif : PEINTURE ABSTRAITE.Cependant, ils empruntent toujours
des éléments du réel.
Il y a cependant un entre deux : la peinture non figurative ( fin 19ème). Càd que sur le tableau des
éléments non cernés ni exactement défini comme dans le figuratif mais ils gardent une accroche
dans le réel.
XIII → XiX
Serusier admire Gauguin et va assister à un de ses cours. A cette époque il y a l'apparition de
l'invention de la photographie ( 1839). Ceci souleva une grande question chez les peintres. En effet,
le but de l'artiste étaient de conquérir la réalité. Hors avec la photo ceci devient obsolète. Le
peintre va alors réfléchir et aller autre part. Il va donc se tourner vers la couleur, élément non
maîtrisé par la photo ( encore).
Gauguin va se tourner vers la couleur. Une de ces paroles va inspirer Serusier qui va l'appliquer à la
lettre : « peints ceux que tu vois. ».
Ainsi Serusier fait cette approche via ses sens ainsi il va se détacher du dessin figuratif et privilégier
le sensoriel.
Il fait partie d'un groupe d'artistes « NABIS » ( nom choisis par le groupe / NABIS = prophètes
Maurice Denis : « Il faut se rappeler qu'on tableau avant d'être un cheval de guerre, c'est une surface
plane et des couleurs que l'on assemble ».
La peinture devient narrative à partir de la fin XIII.
Analyser une œuvre = décoder la narration.
Fiche ID d'une œuvre : cartel de l’œuvre.
XV°ème : le statut d'artiste s'affirme alors vers la fin du siècle il y a l'apparition de la signature sur
la toile.
Quand on connaît pas l'auteur on dit « le maître de... »
Fiche d'identité d'une peinture
• Nom
• Dimension ( 1m< petit ; 3m<moyen ; 3m>grand)
• date
• technique utilisé
• Support ( XVI bois,mur ( surtout en italie) ; debut XVI:toile))
La toile apparaît à Venise car c'est un grand lieu de commerce. De plus, la
toile est plus durable pour l'humidité. Elle est aussi moins chère et plus
pratique dans les transports ainsi elle va se généraliser dans le monde entier.
Jusqu'au 15 ème siècle, il existe 2 techniques de peintures : le détrempe et le
tempera. Ce sont des techniques mélangeant des pigments broyés avec pour
la première de l'eau et la deuxième de l’œuf.
Cependant dans ce même siècle un nouveau liant apparaît : l'huile. Ainsi,
l'huile va '' supplanter'' les autres techniques.
Pour les techniques de peintures sur mur c'est un peu plus différent. Il existe
2 techniques : a secco (1) et a fresco (2).
PS : fresco est à l'origine du mot fresque.
Ces techniques consistent dans un premier temps à passer une couche
d'enduit sur le mur en question. Ensuite pour la méthode (1) on attend que
l'enduit sèche complètement. Alors que pour la (2) on commence à travailler
sur un enduit frais ainsi il y a plus de saturation des couleurs et une
meilleure conservation.
•
•
•
Lieu de conservation
Lieu de destination originale
Le titre de l’œuvre
Jusqu'au XIX : les titres des œuvres sont les sujets de la toile.
Jusqu'au XV : sujets majoritairement religieux car l'église était le principal commandeur.
Au XVII : Des historien vont classer par genre et Statut les sujets de peinture ( jusqu'au XIX).
Il y a 5 genres : majeur, mineur
1. peinture d'histoire : révolution, antique, mythologie,religieux, couronnement etc..
2. Paysage ( qui apparaît au XVI°s) : représentation d'un territoire dans une approche
esthétique.
3. Portrait
Jusqu'au XV : on représentait des portraits importants et on abordait d'un point de vue
technique la ressemblance. Le profil avait un statut honorifique. On note une évolution
rapide du portrait :
-Au XV ème on recherchait la vraisemblance et non le caractère du personnage.
-Très vite on retrouve des portrait en ¾
- Suivi d'un regard tourné vers le spectateur et non dans le vide.
- Des peintres essayaient de trouver un peu de liberté dans ce genre restreint. Ex : apparition
de mains
-Le fond des portraits évoluent avec plus de perspectives, d'éclairage ainsi que l'apparition
de paysage.
-A la fin du XV, le peintre cherche a retranscrire le personnage : les émotions. Ref Vina
Ginevra de Vinci.
-Portrait de pied
-Question de l'identité au XX°s
4. Scène de genre
5. Nature morte ( devient un genre majeur au XVIII avec Chardin qui va introduire la
narration.
Cézanne va réinventer un espace sans être vraiment ressemblant.
12 oct
L'analyse plastique de l’œuvre
« La peinture est considéré comme une fenêtre ouverte sur le monde. »
Il y a 3 aspect dans cette analyse.
1er : Coupage de l’œuvre en 4 avec les axes principaux ( verticale et horizontales médians), puis
avec les diagonales . La partie supérieur au trait horizontal s’appellera le registre supérieur et
celui en dessous le registre inférieur.
Pour l'organisation de l'image on parle de format de l'image. Il y a le cadrage, la composition et la
dimension..
2ème : La spatialité des personnages : l'espace de l'image.
3ème:Le partis pris stylistique.
Œuvre vu en cours : Horace de Jacque Louis DAVID , 1784, peinture à l'huile sur toile.
Les artistes du XVIII reviennent à des peintures plus claires ( de manière général). Calme grandeur,
noble simplicité.
Il existe 3 types de format : rond (tondo), carré et à l'horizontale ( paysage) ou verticale (portrait).
Le cadrage n'est pas forcement choisi par le peintre. En effet, le format est souvent decidé par le
commanditaire. Pour les œuvres religieuses, c'est le lieu qui fait le format. ( Ref descente de croix,
Roger Van der Weyden. Le peintre peut aussi avoir la liberté de peindre un cadre.
Au fur et à mesure, les peintures vont :
• Choisir leur format.
Ex : Gericco, pour Le radeau de la Meduse, a choisi un format monumental
réservé aux peintures d'histoire. C'est un acte politique car à l'époque le
naufrage de la frégate n'est qu'un fait divers au XIX°s .
Les peintres vont adaptés sur le format le sujet en question.
Des qu'on parle d'une œuvre précise, il faut parler du format ( forme,
dimension, petit, moyen ou grand.
•
De reprendre ou non la composition en fonction du format. Dans le cas où il ne reprendrait
pas, il y a rupture de format.
Dans Le radeau de la Meduse, Gericco utilise une rupture de format. Dans un cadre
rectangulaire horizontal, sa composition est triangulaire, l'une tracé l'autre suggéré.
L'un des triangle n'est pas parallèle au tableau ( bord). Cela entraîne un déséquilibre.
Cependant la composition est équilibré.
Les lignes de force peuvent être suggérées par la lumière, la gestuelle, le regard et des tracés.
Dans le tableau Horace, il y a un partis pris. On montre les soldats comme des vainqueurs. On peut
noter que cette œuvre était tout aussi bien vu par des monarchiste que par des futurs
révolutionnaires.
1. Question du cadre ( effet de proximité/loin) : Le cadrage peut couper à mi-corps un
personnage pour les effets de proximités. C'est ce qui introduit le spectateur : PRINCIPE
NARRATIF.
2. Si on pense à la spatialité : il faut repérer les lignes de fuite. Cela donne des indications de
lieu et le rapport des personnages avec lui ( 1 plan , plan intermédiaire, arrière plan). Il y a
maximum 5 plans dans une œuvre.
3. Il y a les partis pris : Choix de style ; éclairage ; texture ; dessin ; couleur; ombre/lumière.
Partie historique
Au XV° siècle, l'Italie n'était pas encore un pas encore un pays unifié : péninsule, royaume de
Naples, Republique de Florence etc...
Ainsi, il y a une profusion d’œuvres car l'art est considéré comme un moyen de montrer sa
supériorité aux voisins aux alentours. De plus , il y avait une politique d'agrandissement des
territoires.
Il y a différentes manières de s'agrandir :
• L'art de la guerre
• Alliance matrimoniale ( on le voit par le portrait)
• Théorie d'Aristote/Théorie de la magnificence : On assoie sa grandeur par l'art.
C'est cette dernière manière que Côme de Médicis a choisi. Il veut le soutient du peuple, des
artistes et ainsi développer sa politique culturelle. Il développe également le mecena !
Il invente le système bancaire en prêtant aux hommes politiques.. Pour le peuple, Côme va
construire des écoles, des hôpitaux etc..
Cette république de Florence va voir sa capital, Florence, devenir au XV°siècle la capital de l'art qui
va rayonner au delà des frontières. Un état rayonnant était supérieur car il avait su utiliser l'art !
Florence va rayonné les premières décennies du XVème siècle. Côme va mettre en place le
néoplatonisme. Une école où les érudits viennent apprendre. Les disciplines ne sont pas
cloisonnées.
Dans la seconde moitié du XVème siècle, d'autres foyers apparaissent.
Raphaël est née à Ulbino.
Florence : Giotto;Massacio;Ghiberti; Fra angelico; Brunelleschi ;Botticalli ;Ponatello.
La ville de Sienne va rayonné au XIV ème siècle ; Florence au VX ème ; Rome au XVI ème ; Paris
au XVII ème grace à Louis XIII et Louis XIV. La mère de Louis XIII est une medicis. Elle va lui
donné une éducation développant les lettres, le théâtre, la peinture. Il va ouvrir une institution à
Rome également par la suite.
A Rome, le catholicisme règne. En effet, les principaux commanditaires étaient l'Eglise.
L'art majeur était l'art byzantin jusqu'au XIV ème siècle.
Ravenne, capital administrative italienne.
A Constantinople, l'art se développe grâce à l'Empereur. Jusqu'au XIII ème siècle, l'art byzantin va
dominé dans la péninsule italienne.
Des que les chrétiens ont peu pratiquer, il y a eu des lieux saints donc un développement de l'art.
Avant c'était l'art paléo-chretiens que l'on retrouve dans des grottes avec des esquisses suggestives.
Les artistes n'imaginaient pas mais peignaient ce qu'ils voyaient ou s'inspiraient d'autres cultes.
Ex : Femme à l'enfant → Isis et Osiris.
19 Octobre 2015
Jusqu'au XIII ème siècle, l'Italie était sous l'influence byzantine
Voir le Gombrich sur l'art byzantin
Christ pantocrator : Christ tout puissant. Image permettant aux fidèles de voir que cette divinité est
inaccessible. Il est aussi le juge après la mort. Il représentait de manière monumental sur un fond
d'or.
ART BYZANTIN
L'art byzantin s'est développé dans l'Empire byzantin entre la disparition de l'Empire romain
d'Occident en 476, et la chute de Constantinople en 1453. L'art produit auparavant dans la même
région est confondu avec l'art paléochrétien.
Le terme peut également être utilisé pour désigner l'art des États orthodoxes contemporains à
l'Empire byzantin, dont la culture a subi son influence, sans en faire partie réellement, comme
le premier empire bulgare, le premier État serbe ou la Rus' de Kiev. Mais aussi, pour partie, l'art de
la République de Venise et du Royaume de Sicile, qui avaient des liens étroits avec l'Empire
byzantin.
CARACTERISTIQUES DE L'ART BYZANTIN
•
Le premier élément important de l’art byzantin est le goût pour des formes géométriques
simples.
•
Un autre élément important de l’art byzantin est son caractère sacré. Les images
représentent souvent des saints, la tête auréolée d’un nimbe. La couleur de fond des icônes
et des mosaïques est souvent la couleur or, symbole de la lumière céleste. Les tesselles (les
petits carrés) dorés des mosaïques byzantines sont d’ailleurs orientés vers la lumière pour
mieux la réfléchir et accentuer le côté éclatant de certaines images. Les personnages sont
souvent représentés sous des traits fins, avec des proportions équilibrées, et dans une attitude
« hiératique » (= une attitude « posée », « raide et figée » mais aussi sacrée car utilisée pour
représenter les dieux).
•
Enfin, l’art byzantin est au service du pouvoir impérial, l’empereur (le basileus en grec)
est souvent représenté comme le représentant de Dieu sur Terre. L’empereur se fait
représenter comme un saint (nimbé), dans une position de majesté, semblable à celle du
Christ trônant dans les Cieux, et se place souvent sous la protection et la bienveillance de
Dieu.
•
L'iconostase, est une cloison, de bois ou de pierre, qui, dans les églises de rite byzantin,
particulièrement orthodoxes, sépare les lieux où se tient le clergé célébrant (sanctuaire,
prothèse et diaconicum) du reste de l'église où se tiennent le chœur, le clergé non célébrant
et les fidèles.
Cette image va être associée à celui des empereurs : barbu pour le coté philosophe et les textes
sacrés et la main en signe de prière.
Le fond d'or permet d’immatérialiser le personnage du lieu. Il met une distance entre le fidèle et la
divinité du fait que ce n'est pas une couleur naturelle. C'est cette règle qui va être remis en question
au XIII°siècle.
A Ravenne, il y a beaucoup de mosaïques. Ainsi le fond d'or devient également un signe de
richesse.
Sur les fresques les personnages sont en lignes, les têtes deviennent isocéphales. Avant le XIII ème
siècle : les personnages sont « plaqués ».
Le commerce est prospère. C'est ce qui amener à une urbanisation des villes, un développement des
système bancaire et de la place du marché au détriment de l'église. Ainsi une inquiétude spirituelle
naît. Est ce que cette enrichissement est compatible avec la religion ? L'argent ne me corrompt il ?
Cette question va entraîner une aspiration à la pauvreté. Des gens vont donner leur argent ou
commander des tableaux religieux : Les indulgences.
Basilique d'Assise. François, un garçon issue d'une famille aisée entend Dieu (lol). Il lui dit qu'il est
présent dans toute créature vivante. Ainsi il s'engageait dans un cheminement spiritueux en Italie
pour prêcher sa parole. Il fait veut de pauvreté, d’honnêteté etc.. Innocent 3 entend les faits et gestes
de François et dans un rêve il le voit soutenir l’Église. Il prend sa comme un signe et va le
rencontrer. C'est comme ceci que l'ordre des Franciscains va naître. En 1228, François meurt et fut
rapidement canonisé. Ainsi les représentation iconographiques vont changer. Saint François va être
représente !
Edouard 9 va souhaité une restauration de la Basilique de François d'Assise. Sur les murs, il a
voulue représenter la vie de François. C'est GIOTTO qui va entamer le chantier entre 1297/1299.
Giotto (1267- 1337 ) appartient au même siècle que François cependant il ne l'a jamais vu. Ainsi
Giotto va observer la réalité pour mettre en scène François afin de rapprocher le fidèle de François.
Giotto a compris qu'il faut prendre la vision empathique grâce à l'expression d'un visage, d'une
émotion pour réaliser ce rapprochement. Ainsi il va délaisser le fond d'or. Dans la basilique, il y a
28 images représentant la vie de François : →NARRATION . Ainsi GIOTTO, à la fin du XIIIème
siècle, va emmener l'art à la modernité. Le fond d'or va être remplacé par le bleu. A partir de là, il y
a une conquête de la réalité.
Dans la basilique d'Assise, les positions et gestes sur les fresques sont travaillés pour la narration.
Giotto cherche une illusion du lointain. Il va le faire de manière empirique. Ainsi Giotto va être l'un
des premiers à travailler la profondeur.
Apparition à Arles de GIOTTO
-Il y a un fond bleu.
-L'architecture donne un effet de profondeur.
–
Les personnages assissent et de dos permettent d'introduire le spectateur dans l’œuvre.
On remarque une variété des personnages, des attitudes. Ceci découle du fait que Giotto a
observé l'Homme.
Site : aller voir : Web Gallert of Art
Prédelle : scène qui explique: NARRATION
Chapelle de L'arena Padoue de GIOTTO
Mécène : Scrovegni
Thème : cycle de la vie de Marie et du Christ.
NB : Ceci va inspirer Bil VIOLA, un maître de la narration. Ref Going forth by day 2002.
Expérience de Brunelleschi en 1416
C'est à l'architecte, ingénieur et sculpteur florentin Filippo Brunelleschi (1377-1446) que revient le
mérite d'avoir démontré les principes de la perspective linéaire ou "artificielle" (par opposition à la
perspective "naturelle" de la vision humaine qu'étudie l'optique).
Il en fait la démonstration à partir d'une expérience réalisée sur la place San
Giovanni à Florence en 1415 avec un miroir et un dessin monté sur une planchette.
Il réalise d'abord un dessin du baptistère de Florence selon une perspective
rigoureuse (ligne d'horizon, point central et lignes convergentes). Son dessin est
monté sur une planchette dans laquelle il a percé un trou pour voir l'image du
baptistère de la cathédrale se réfléchir dans le miroir. Ainsi, n'importe quel
observateur se tenant à l'endroit où le dessin du baptistère fut réalisé, peut constater qu'il se
superpose parfaitement à l'édifice réel, créant ainsi une illusion parfaite de la réalité.
Si Brunelleschi fut celui qui a démontré les principes de la perspective linéaire, la
véritable explication scientifique du phénomène sera réalisée par le théoricien et
architecte, Léon Battista Alberti(1406-1472) dans son traité Della Pictura (1435). Il
y explique que l’œil constitue le point de vue à partir duquel se construit une
pyramide visuelle, l’œil étant le sommet et la surface plane du tableau où se forme
l'image constituant la base.
« Alberti en déduit ce qu'il appelle la construzione legittima : cette méthode consiste à déterminer et
à tracer tous les points
d'intersection des rayons visuels avec le plan du tableau. On obtient ainsi une mise en perspective
très rigoureuse et applicable
à n'importe quel type d'objet ».
Chapelle Brancacci. Eglise Santa Maria del Carmine à Florence.
Peintres ayant travaillé sur les fresques : Masolino en 1424 ; Masaccio en 1427, Filipino fr 14801485 .
Sujet : La vie de St Pierre
Dans Nord de l'Europe, on reconnaît la texture ( tissu etc) dans une peinture a contrario du
Sud de l'Europe.
Détail d'une des peinture de la chapelle : Le paiement du tribu par Masaccio
Masaccio va couper en 3 sa peinture pour la narration et la temporalité.
Les disques ( auréoles ) en perspectives n'apparaissent quand 1416.
Trinité 1425-28
Peintre : Masaccio
Dimensions : 667*317 cm
Cours du 2 Novembre 2015
Alberti a trois préceptes : Histoire, Variété et Dignité
Histoire :
L'histoire doit être présente dans toute œuvre. Exemple : Le paiement du
tribu de Massacio où il a coupé l’œuvre en trois scènes. ( Amorce de la
BD). Il faut de la Narration.
Variété :
Pour que l'histoire soit lisible, il faut qu'il est de la variété dans l’œuvre.
C'est à dire au niveau des émotions, des positions, des décors etc... Cette
variété va amenée à une théâtralité exacerbé qui amène à une lecture plus
lisible.
Dignité :
Une œuvre doit être digne. L'artiste doit en faire assez mais pas trop.
L’artiste doit arriver à jauger son œuvre.
La Piéta
Masolino
Fresque
80*118 cm
Cette œuvre a inspiré un artiste contemporain, Bill VIOLA.
On retrouve cette inspiration dans Émergence dans THE
PASSIONS une vidéo datant de 2002.
>https://www.youtube.com/watch?v=zrkwJosTaOg
Bill Viola, un des plus grands artistes contemporains actuel, artiste vidéaste. un corps qui va mettre
en scène lui même au départ pour faire passer des émotions sensations. Puis des acteurs qui
mettront en scène la théâtralité, sacralité des œuvres (le corps est sa matière). Il est en résonance
avec Masolino. Ce qui marque les œuvres de Viola est sa fragilité, mais en même temps sa force car
tout peut sembler paisibles jusqu’à un moment ou tout s’écroule et cela créait un contraste de
violence indéniable. Le son est toujours un point essentiellement important dans ses œuvres. Il a
toujours été fasciné par l’eau est la vie sous marine. c’est ainsi que l’eau devient l’élément
précurseur de la plupart de ses œuvres. La vie psychique pour Viola est organisé. Ce qui
accompagne l’image est un espace temporel dont le spectateur n’a pas conscience. Il y a tout un
travail de la conscience qui travaillé par l’artiste. « He weeps for you» il montre une goutte d’eau
tombant d’un tuyau de cuivre. La gouttelette est agrandie de façon à refléter la pièce environnante et
ses occupants. Un bruit sourd résonne lorsque la goutte touche le sol, ce qui donne à cette action
apparemment anodine une inquiétante étrangeté. Cela donne un aspect cognitive et scientifique qui
rend fascinant l’image. Tout est enregistré, dupliqué ce qui rend poétique le son frappant
l’intellectuel et le spirituel. Le tournent de Viola est une œuvre qui remonte à la époque florentine
(Renaissance: Pontormo) quand il aperçoit des femmes dans la rue au moment du déjeuner qui se
saluées. C’était un jour de vent donc leur habits flottaient dans les airs. Il se trouvait en voiture et
par le cadrage de sa vitre il s’est réimaginé une œuvre de la Renaissance qu’il lui avait plu des
années auparavant. Des femmes qui se saluaient vêtues de drapés (Greetings). Il s’inspire depuis
cette pauvre à des peintures anciennes, ce qui l’intéresse n’est pas de reconstituer exactement la
mise en scène du peintre, mais d’explorer les sentiments qui sont à l’origine de l’œuvre et qui sont
exprimés dans celle ci. Selon lui la tradition chrétienne occidentale n’est pas seule propriétaire de
l’expression d’événements dramatiques comme la Crucifixion et la Résurrection. La mort est
toujours présente dans ses œuvres mais encore plus suite à la mort de ses parents vers les années 80
(la mère) et 90 (père). Suite à la mort de son père il a compris ce que c’était la passion. L’expression
des âmes. Il va donc se pencher sur la douleur, l’extasie…. des gens. Il se consacre presque
entièrement à la création d’installations. Sa recherche sur la forme et la lumière ainsi que son intérêt
pour les textes religieux s’expriment dans des projections d’images de grandes dimensions. A partir
de 86, l’artiste va évoluer dans son style. Il va beaucoup voyager et va s’intéresser de plus en plus à
la philosophie orientale à la littérature mystique. Il va porter un intérêt aux textes religieux qu’il
étudiera. Il va faire une réflexion sur la condition humaine et notamment sur le entre la vie et la
mort. Il filme la vie de façon brutale avec une dimension zen.
REPORTAGE SUR BILL VIOLA
B.V est fasciné par l'eau et travaille énormément la bande son. Il a l'habitude de filmer avec une
camera prenant 300 images par seconde et de mettre en vidéo au ralentie pour créer une dilatation
du temps.
Il expérimente plusieurs sujets comme la mort, le temps, de ma matière , de l'eau etc...
Paolo UCELLO 1397-1475
Bataille de SAN ROMANO
180*320 cm.
Tempera sur bois.
Panneaux conservés à la National Galerie à Londres.
Vocabulaire
Condottiere :Chef mercenaire italien au Moyen-Age.
mazzocchio :Le “mazzocchio” est la géométrisation du couvre-chef florentin “a cercine”, c’est-àdire en forme de cercle
gothique international : Le gothique international (ou style international, ou art européen vers
14001) est une phase tardive de l'art gothique qui s'est simultanément développée sur les
terres franco-flamandes, en Bourgogne, en Bohême et dans le nord de l'Italie entre la fin
du XIV siècle et le début duXVe siècle avant de se propager largement à travers l'ensemble de
l'Europe occidentale et centrale, justifiant ainsi le nom donné à cette période par l'historien
d'art français Louis Courajod à la fin du XIXe siècle.
Les panneaux représentent la victoire de Florence. Cependant on a pas vraiment l'impression d'avoir
une scène de bataille.
Tableau gauche
Suggestions de profondeur :
•
Le cadavre en raccourcis
•
Les différents plans
•
La disposition des morceaux de lance.
Néanmoins le cheval blanc ne semble pas réel mais plutôt un cheval de bois.
Tableau central
•
travail des détails, des habits
•
travail de la lumière et de formes géométriques
Tableau de droite
Le dernier tableau est les plus moderne. Le travail des couleurs est différents et rend mieux. Les
armures sont faite en feuilles d'argent.
Le mazzochio idéalise la scène. En effet, cet ornement d'apparat
n'est pas porter pour les batailles car trop lourd et encombrant.
Il va jouer avec les jambes des soldats , des pantalons et des pattes
de chevaux pour travailler la profondeur grâce à la confusion. Il
utilise également le même système dans le registre supérieur avec
les lances. De plus, il utilise une palette de couleur plus restreinte.
Feuilles d'argent pour réaliser les armures.
Funerary Monument to Sir John Hawkwood
1436
Fresco, 820 x 515 cm
Duomo, Florence
PIERRE SOULAGES 1919
peinture triptyque 181*244 cm 2009
Vocabulaire
Outre-noir ; noir lumière ; peinture informelle ; monochrome ( mono pigmentaire)
Interview de SOULAGES
Il ne travaille que le noir.
Œuvre en lien avec le travail de SOULAGES
MALEVITCH
Carré noir sur fond blanc, 1915, huile sur toile
Le Palais royal était avant le palais cardinal. En 1624, Richelieu achète un hôtel particulier, l’hôtel
Remdouillet pour être proche du roi qui séjourne au Louvre. L'achat commence en 1630, rue St
Honoré et Richelieu demande à Jacque Le Mercier de construire son palais. LE MERCIER est une
architecte du genre classique s'inspirant de l'art greco romaine. Ce style d'architecture est
caractéristique du XVII°siècle avec ses colonnades et fait écho à celles du Louvre.
1642 : Le palais cardinal est presque terminé mais Richelieu meurt. Ainsi dans son testament il
lègue tout au Roi Louis XIII.
1643 : Palais cardinal devient Palais Royal car il va heberger le futur roi Louis XIV et la reine
d’Autriche.
→ lieu de résidence pour la famille royal.
A l'heure actuelle, le palais royal a été aménager par le secretariat du conseil d'Etat.
1986 L'état commande à Büren : « Les Deux Plateaux » ou colonnes de Büren ( travail in situ)
→ origine de scandale à son installation et à sa restauration
1966 : grammaire visuelle : terme utilisé ses bandes ( par Büren) qui font 8,7cm de large.
Büren souhaite démystifier la peinture.
1969 : Büren va se retrouver dans le groupe BMPT ( Büren, Mosset, Parmentier,Taurinie) qui est
une groupe de jeunes artistes qui veulent démystifier la peinture. Ils montrent que la peinture est
une couleur, un geste, une matière. Ils remettent en cause l'illusion de la peinture.
George Rousse
Pour lui, la photo est la mémoire d'une action, d'un lieu. Il utilise beaucoup l'anamorphose dans ses
créations. Ainsi la photo de ces œuvres laisse planer le doute sur la réalisation de son œuvre.
Influence de G. ROUSSE
Diorama de Louis Daguerre ( 1781-1881) 1840 Eglise St Gervais, BRY SUR MARNE
Eugène atget, La rue de la Parcheminerie après la démolition, mars 1913
Bernard et hilla Becher ( 1931-2007/ 1934 -?)
loomis coal / wiles Barre pennsylvania 1974
Kurt Schwilters le Merzbau
Cathédrale de la misère érotique 1924-37
→ echo à G.ROUSSE, Le Blanc de Mesnil 2006
Henri MATISSE, l'atelier rouge, 162*130 cm, peinture à l'huile, MOMA NY
→ echo à G.ROUSSE Embrasures 1987
Gordon MATTA CLARK, Splinning 1974, extérieur/intérieur, déconstruire l'architecture.
Rembrandt, Le philosophe en méditation, 1632, 28*34cm, LOUVRE
→ avec le
clair/obscur,
l'escalier qui est
le squelette d'une
architecture
symbolisant
l'élévation.
George ROUSSE 23 rue Suger
Vermeer 1665/67 L'art de la peinture
→ echo G.ROUSSE Sangma, Clermont Ferrand 2000
UTOPIA de George ROUSSE
lieu abandonné → sujet, atelier , mise en scène,en peinture.
1 ère phase : peinture figurative, il peignait des personnages sur les murs.
2ème phase : Puis il l'est construit comme des sculptures avec des hachures.
3ème phase : utiliser de la peinture
Rousse fait des polaroids qui servent à fixer le lieu avant le travail et lui permet de suivre
l'évolution. Si l'espace est trop petit . Il découpe le lieu.
LA PEINTURE FLAMMANDE AU XV°EME SIECLE.
Artistes :
Robert CAMPIN , le maître de flemalle 1378/1444
Jan VAN EYCK 1390_1400 / 1441
Rogier VAN DER WEYDE ? 1400 1464
Ils ont introduire la peinture à l'huile.
Van Eyck sera le premier à réussir à travailler pleinement avec la peinture à l'huile.
→ la technique va se diffuser
CAMPIN, Annonciation 1420, 61*70, Bruxelle
Tableaux flamands sont souvent des petits formats sur des supports bois et en tryptique, retable,
dyptique, polyptrique
L'annonciation est beaucoup abordée par les peintres flamands dans des intérieurs pour rapprocher
le fidèle grâce à cette espace familier.
y a un intérêt de l'intérieur avec des meubles, des objets de la vie courante. Ces objets vont passer
de simple élément de décors à des éléments charger d'une nouvelle symbolique.
----> NATURE MORTE
COMMENT REPRESENTE CETTE ESPACE ?
Cette question est soulevé par GIOTTO mais aussi par les peintres flamands ( Ref : annonciation de
CAMPIN)
Les peintres flamands ne sont pas au courant de la perspective à point de fuite unique de
Brunelleschi. Il faudra attendre la 2ème partie du XV ème siècle pour cela. Avant, les peintres
flamands faisaient de manière empirique.
La peinture flamande est très minutieuse et va permettre de pouvoir être une fenêtre sur le monde.
Puisqu'ils ne maîtrisent pas la perspective, ils vont compenser ce manque par leur minutie dans la
représentation des matériaux et de la représentation du réel et des détails.
TAILLE DES TABLEAUX :
Les petits formats vont amener le spectateur a se rapprocher de la peinture et donc de regarder plus
en détail.
CAMPIN, retable de Merode , 1425 ( echo à masaccio),New York, panneau central, 64*63cm.
Panneau gauche : commanditaire en train de prier devant la porte ouverte
Panneau central : la bassine et le linge représentent la pureté.
Mouvement figé : bougie qui s’éteint, page qui se tourne qui sont du au courant d'air de l'ange.
Les attitudes sont également figées : visible grâce au parti pris de la lumière et des contours des
drapées qui sont presque angulaires.
→ la lumière est très violente. Comme si il y avait une lumière vive sur chaque élément.
Les ombres portées fortes peuvent dédoubler les objets.
Annonciation, Campin, 1420
La vierge et l'enfant ,1430,CAMPIN, Londres
La sainte trinité,1410,148,7*61cm
→ la volonté de l'illusion extrême du trompe l’œil avec une palette
réduite et une lumière violente.
Campin, 142,/1430, Robert de Masmines
Les peintres flamands vont aborder le visage d'un portrait comme une texture. Le grain de peau est
représenté avec détail. Les yeux comme une surface réfléchissante. Cependant ils ne sont pas encore
dans la retranscription d'une âme/émotions.
VAN EYCK, Turban rouge,1433, 25,*19, ( autoportrait )
→ lumière dure et diffuse / drapées et ombrages.
VAN EYCK va être au service du Duc de Bourgogne enfin le fils du frère du roi, Philipe LE BON.
Il va appeler son avocat, Rollin, qui deviendra son chancelier plus tard. Van EYCK va permettre
une alliance matrimoniale au portugal. Ces voyages va lui permettre de voir de nouvelles influences
des paysages mais aussi de diffuser/apprendre des techniques/connaissance dans les ateliers.
La peinture à l'huile sèche plus lentement, ce qui est un gros avantage. Cela permet de travailler en
couche de transparence et ainsi élargir la gamme des nuances. Mais cela permet aussi à la lumière
de passer jusqu'au support de la peinture qui réfractait beaucoup cette lumière ( car fond blanc).
Sainte Barbe,1437, inachevé, VAN EYCK
On voit bien le gesso ( fond blanc). Il effectue un dessin minutieux et le reproduit sur le gesso
blanc.
VAN EYCK, dresde, 39*24, Annonciation
Trompe l'oeil.
Polyptyque, retable de Gand, Van Eyck, belgique
FERMER
375*270cm
3 registres
les fenêtres plus évoluées.
OUVERT
520*270
Adam et Ève font écho à ceux de
Masaccio cependant l y a une
nudité réaliste.
Panneau central, registre inférieur :
détail de la nature : +100 variétés
végétales/
premier détail dans le ciel : les
oiseaux
VAN EYCK, crucifixion, 1425-30
Dans le ciel, le peintre a peint de vrais nuages.
Il représente également de vrais bâtiments en arrière
plan. Il réalise ceci grâce a des recherches, croquis.
VAN EYCK Vierge au chancelier Rolin, 66*62cm
On remarque que la peinture flamande se rapproche de plus en plus d'un point de fuite unique.
Le rouge d'un manteau de Marie représente la passion d'avoir perdu son fils.
Il y a deux formes triangulaires, se sont les 2 personnages.
En arrière plan, on voit un paysage profane :
Le pont : évoque le traité entre le Duc et le Roi de France. Où une croix sera érigée sur le pont ou le
père du Duc a été tué et une église doit être érigé au bout de ce pont. Ce qui est le cas.
C'est une œuvre exceptionnel puisqu'on ne represente pas un profane ( Rollin) directement en face
du Christ et égale à a vierge. Ni le fait que le Christ bénit directement.
Cette œuvre a été peint sur 3 planches de chêne.
Les époux Arnolfini,Jan van eyck,82 cm x 60 cm, 1434
Vêtements très recherchés :
Houppelande de velours doublé de
fourrure avec un dessous un pourpoint
noire. Chapeau de feutres ras
Robe ceinturée par un bandier. Manches
pertuisées avec en dessous une cotte
bleu. Huve de lingerie ( coiffure
caractéristique flamande).
Coiffure : Huve, Hennin, truffeaux
Ce n'est pas un portrait mais un
sacrement religieux : le mariage.
Van Eyck est le témoin car à l'époque, il
n'était pas obligatoire de passer devant
un prêtre.
Chien : fidélité
Bougie : présence divine
Van Eyck réussit à consilier le profane et le sacré.
Saint Luc, Van der Weydan, 1434-35 ( élève de CAMPIN), triptyque du Miraflor
Donne l'impression d'être à l'extérieur grâce à l'architecture et la position des personnages.
Descente de croix, Van der weydan, 220*262cm,1435–1438,Musée du Prado
Jamais un peintre flamand ne s'était penché sur les émotions.
Construction : ligne verticale centrale / tableau fini et fermé par des courbes ( positions
personnages) / écho de positions entre le Christ et la Vierge Marie. / Fond d'or qui referme l'espace/
Tons chauds et Froids/ Techniques des drapées entre Campin et Van Eyck
visage du christ : détail du drapées/ détails barbes et couronne/ émotion-mort
Femme qui pleure ( en haut à gauche) ! → conquête des affections des affections/émotions)
Les 1er larmes qui coulent représentent une surface qui réfléchit la lumière et zoom le grain de
peau.
1440 construction en perspective dans la peinture flamande.
Cours 30 novembre
Petrus CHRISTUS (1410-1472/73) est le premier flamand à
parfaitement construire la perspective à point de fuite unique.
Portrait de jeune femme vers 1470, huile sur chêne, 28*21cm,
Berlin.
Il y a des échanges de savoir entre les Flandres et l'Italie :
→ avancement dans les portraits. Les arrières plans s'éclaircissent.
Désiré DOLRON, née à Haarlem1963 au Pays Bas est un
photographe photojournalistique qui est fortement influencé par la
peinture flamande
1. exaltation 1991-1999
2. Gaze 1996
3. Xterior 2001-2006
1. Intéressement sur le corps humain qui est sujet avec des objets de
rituel.
2. Homme et femme dans l'eau ( Echo : à Bill Viola)
3. Met en scène des beautés typiquement flamande via le portrait du
genre flamand. Ces œuvres sont plutôt silencieuse. Il y a une mise
en distance, une question de l'espace.
Vilhelm Hammershois interior with young man reading 1898
Christian TAGLIAVINI 2010
écho Lucrezia,1503, de la peinture italienne et flamande et magneriste
Il a une manière de travailler les costumes, décors. Ses vêtements sont fait en papier et il joue sur
les différents papiers pour faire l'illusion.
*Petrus CHRISTUS, portrait d'un chartreux*,1446 , huile ur bois,29,2*21,6, New York,
Metropolitan Museum of Art
Cette œuvre introduit la perspective avec les coins de murs. Mais il présente pour la
première fois un insecte peint : la mouche.
Rechercher la symbolique de la mouche
Portrait d'edward Grimston 1446
Dans cette œuvre on remarque une évolution du décors qui est
plus développé.
*Saint Eloi dans son atelier ou Saint Eloi orfèvre* , 1449, huile sur panneau, 98*85cm, New
York, Metropolitan Museum of art
Dans cette œuvre, certains objects ont une symbolique :
Carafe : la pureté
Miroir : élargie le champs de la représentation
L'homme au fecon : le peintre Petrus.
Quentin METSYS 1406-1530, Le prêteur et sa femme 1514, huile sur panneau,71*68cm, Musée
du Louvre, Paris.
C'est une scène profane mais pour compenser l'attrait cupide de l'argent représenté, l'auteur a placé
une Bible afin de ne pas être censuré. On y va encore un miroir qui élargit l'espace.
Jérôme BOCH : Le char de foin 1500-1502, retable religieux,huile sur bois, 135*190cm, Musée du
Prado, Madrid.
Cette composition plastique ressemble à l'art asiatique à cause de la profondeur traité par couche
successive.
Caractéristiques : rappelez à l'homme qu'il doit avoir une vie exemplaire, critique la société
et leur péchés.
Contexte difficile : L’Église va mal. ; Constantinople chute face aux Ottomans ; changement
de siècle.
Rable va écrire des textes qui vont inspirer BOCH comme Brant
Cette littérature régionale remplit de légende, va nourrir l'imaginaire de BOCH. D'ailleurs,
BOCH va être le premier
à mettre sa signature sur
ses œuvres.
Sur le tableau, on voit le
désarroi de Dieu. BOCH
pointe du doigt la cupidité
humaine menant au chaos.
Les anges déchus se
transforment en monstre.
BOCH, Jardin des
Délices
Dans cet œuvre, le peintre condamne le péché de luxure. On peut également voir une palette de
couleur lumineuse et une profondeur en palier.
L ENFER
St Jean, BOCH, 1504-1505. Il trouve l'illusion de la profondeur par la juxtaposition des tons
chaud/froids
Lucas SIGNORELLI 1450-1523, les damnés (détails),1499-1502,
fresque, Chapelle
Le livre des morts , la pesée des cœurs de Néféroubène, Nouvel
Empire, XVIII ème dynastie, Paris, Louvre
NB : Anubis et Seth sont noirs → mal
L’enfer, livre des heures,1480, enluminure, Victoria Albert Museum, Londres
Le pont n'est praticable que pour les âmes pures.
SIGNORELLI, saint Augustin,XV°ème siècle,
BNF
GIOTTO, Chapelle Scrovegni, Padoue, détail.
Albi, Jugement dernier, Fresque
Michel Ange, Jugement Dernier
Rubens, Chute des anges rebelles,1620
Brugel 1525-69, Chute des anges rebelles
Gustave DORE : -l'enfer, illustration de la divine comédie de Dante,1861,
–
L'ange Déchu
–
Dante et Virgile
RODIN, porte de l'enfer, Bronze.
Williams Bouguereau, Dante et Virgile, 1850, huile sur toile
NB : il fut fortement influencé par Dante et
Virgile de DORE
Le thème de l'enfer est très présent au 19 ème siècle
et également au 20ème.
« L'enfer c'est les autres »
Ref Guarnica de PICASSO, pdt la 2ème Guerre Mondiale.
DALI est influencé par BOCH : → le grand masturbateur
Le jardin de délire,2008, de Gerard RANCINAN fait écho au Jardin des délices de BOCH.
RANCINAN :
–
Liberté dévoilé écho à la liberté guidant le peuple de DELACROIX
–
Le radeau de l'illusion écho au radeau de la méduse de Gericault
Interview de RANCINAN
Prise de note : Petit bonheur qui se balade dans un monde trop vaste. Photo simple, regard sur notre
époque et société. Détails des choses puis maintenant large et avec plus de de recul. Regard sur
l'homme.
Baroque : festin des barbares
Son rôle racontait le monde. Le fond doit être en accord avec le sujet. L'artiste doit montrer l'autre
tel qu'il est. Trilogie des modernes : 1er grand changement de ce siècle. Décadence de Rancinan.
Quentin METSYS, Vieille femme, 1525-30, huile sur bois, 64*46cm, National Galery, Londre
→ peinture flamande rationnelle
La duchesse dans Alice au pays des merveilles par John, Tennie, 1820
Leonard de Vinci, Grotesque 1500-05, 390*280mm, Oxford,
→ déformation des corps humains.
METSYS Portement de croix, 1515-16, huile sur panneau,174*81cm
Bruegel : Chasseur dans la neige,1565, 117*162cm
Dans cette œuvre on remarque que le sujet est plus recentré sur l'homme, que c'est plus profane.
C'est une scène de genre. En arrière plan, il y a plein de choses : enfants qui font du patin, des
chariots etc..
Jeux d'enfant, 118*161cm,1559*60
Ici c'est un regard sur la société. Le tableau vibre au vu du nombre de personnages.
Les proverbes flamands,1559
Il y a 119 proverbes évoqués dans cette peinture.
Antello de Messine 1430-1479, St jerome dans son atelier 1475, huile sur
bois,46*36cm, national gallery, Londre
1er a concilier les innovations flamandes et italiennes.
Architecture gothique, mise à distance du spectateur.
Crucifixion ,1475-76,Anvers, Messine
-Construction basique mais les corps se dénudent : capacité
d'observation anatomique
-Introduit le mouvement du corps
Saint Sébastien ,1475-76,141*85cm, Dresde, Messine
-Son corps possède les proportions idéales décrites dans le texte de
Vitruve
-Les lances font des lignes de fuite.
NB : St Sébastien est toujours représente avec des flèches plantés
car il est le saint contre la peste.
Saint Sébastien, 68*30cm,MANTEGNA (1456-1459)
Saint Sébastien, Pierre et Gille 2009 photographie peinte.
American Saint Sébastien, RANCINAN 2013, photographie.
HISTOIRE DE L'ART
2015/2016
5 Oct
Cours de méthodologie
Il y a 2 approches d'analyse : l'iconographique et plastique. La première consiste a savoir le sens de
l’icône ( signification;mvt;époque etc..) ; La deuxième est de voir les moyens utilisés pour l’œuvre.
Il n'y a eu que de la peinture figurative jusqu'à 1910. Au début du XX°s, les artistes vont se tourner
vers l'abstrait au lieu du figuratif : PEINTURE ABSTRAITE.Cependant, ils empruntent toujours
des éléments du réel.
Il y a cependant un entre deux : la peinture non figurative ( fin 19ème). Càd que sur le tableau des
éléments non cernés ni exactement défini comme dans le figuratif mais ils gardent une accroche
dans le réel.
XIII → XiX
Serusier admire Gauguin et va assister à un de ses cours. A cette époque il y a l'apparition de
l'invention de la photographie ( 1839). Ceci souleva une grande question chez les peintres. En effet,
le but de l'artiste étaient de conquérir la réalité. Hors avec la photo ceci devient obsolète. Le
peintre va alors réfléchir et aller autre part. Il va donc se tourner vers la couleur, élément non
maîtrisé par la photo ( encore).
Gauguin va se tourner vers la couleur. Une de ces paroles va inspirer Serusier qui va l'appliquer à la
lettre : « peints ceux que tu vois. ».
Ainsi Serusier fait cette approche via ses sens ainsi il va se détacher du dessin figuratif et privilégier
le sensoriel.
Il fait partie d'un groupe d'artistes « NABIS » ( nom choisis par le groupe / NABIS = prophètes
Maurice Denis : « Il faut se rappeler qu'on tableau avant d'être un cheval de guerre, c'est une surface
plane et des couleurs que l'on assemble ».
La peinture devient narrative à partir de la fin XIII.
Analyser une œuvre = décoder la narration.
Fiche ID d'une œuvre : cartel de l’œuvre.
XV°ème : le statut d'artiste s'affirme alors vers la fin du siècle il y a l'apparition de la signature sur
la toile.
Quand on connaît pas l'auteur on dit « le maître de... »
Fiche d'identité d'une peinture
• Nom
• Dimension ( 1m< petit ; 3m<moyen ; 3m>grand)
• date
• technique utilisé
• Support ( XVI bois,mur ( surtout en italie) ; debut XVI:toile))
La toile apparaît à Venise car c'est un grand lieu de commerce. De plus, la
toile est plus durable pour l'humidité. Elle est aussi moins chère et plus
pratique dans les transports ainsi elle va se généraliser dans le monde entier.
Jusqu'au 15 ème siècle, il existe 2 techniques de peintures : le détrempe et le
tempera. Ce sont des techniques mélangeant des pigments broyés avec pour
la première de l'eau et la deuxième de l’œuf.
Cependant dans ce même siècle un nouveau liant apparaît : l'huile. Ainsi,
l'huile va '' supplanter'' les autres techniques.
Pour les techniques de peintures sur mur c'est un peu plus différent. Il existe
2 techniques : a secco (1) et a fresco (2).
PS : fresco est à l'origine du mot fresque.
Ces techniques consistent dans un premier temps à passer une couche
d'enduit sur le mur en question. Ensuite pour la méthode (1) on attend que
l'enduit sèche complètement. Alors que pour la (2) on commence à travailler
sur un enduit frais ainsi il y a plus de saturation des couleurs et une
meilleure conservation.
•
•
•
Lieu de conservation
Lieu de destination originale
Le titre de l’œuvre
Jusqu'au XIX : les titres des œuvres sont les sujets de la toile.
Jusqu'au XV : sujets majoritairement religieux car l'église était le principal commandeur.
Au XVII : Des historien vont classer par genre et Statut les sujets de peinture ( jusqu'au XIX).
Il y a 5 genres : majeur, mineur
1. peinture d'histoire : révolution, antique, mythologie,religieux, couronnement etc..
2. Paysage ( qui apparaît au XVI°s) : représentation d'un territoire dans une approche
esthétique.
3. Portrait
Jusqu'au XV : on représentait des portraits importants et on abordait d'un point de vue
technique la ressemblance. Le profil avait un statut honorifique. On note une évolution
rapide du portrait :
-Au XV ème on recherchait la vraisemblance et non le caractère du personnage.
-Très vite on retrouve des portrait en ¾
- Suivi d'un regard tourné vers le spectateur et non dans le vide.
- Des peintres essayaient de trouver un peu de liberté dans ce genre restreint. Ex : apparition
de mains
-Le fond des portraits évoluent avec plus de perspectives, d'éclairage ainsi que l'apparition
de paysage.
-A la fin du XV, le peintre cherche a retranscrire le personnage : les émotions. Ref Vina
Ginevra de Vinci.
-Portrait de pied
-Question de l'identité au XX°s
4. Scène de genre
5. Nature morte ( devient un genre majeur au XVIII avec Chardin qui va introduire la
narration.
Cézanne va réinventer un espace sans être vraiment ressemblant.
12 oct
L'analyse plastique de l’œuvre
« La peinture est considéré comme une fenêtre ouverte sur le monde. »
Il y a 3 aspect dans cette analyse.
1er : Coupage de l’œuvre en 4 avec les axes principaux ( verticale et horizontales médians), puis
avec les diagonales . La partie supérieur au trait horizontal s’appellera le registre supérieur et
celui en dessous le registre inférieur.
Pour l'organisation de l'image on parle de format de l'image. Il y a le cadrage, la composition et la
dimension..
2ème : La spatialité des personnages : l'espace de l'image.
3ème:Le partis pris stylistique.
Œuvre vu en cours : Horace de Jacque Louis DAVID , 1784, peinture à l'huile sur toile.
Les artistes du XVIII reviennent à des peintures plus claires ( de manière général). Calme grandeur,
noble simplicité.
Il existe 3 types de format : rond (tondo), carré et à l'horizontale ( paysage) ou verticale (portrait).
Le cadrage n'est pas forcement choisi par le peintre. En effet, le format est souvent decidé par le
commanditaire. Pour les œuvres religieuses, c'est le lieu qui fait le format. ( Ref descente de croix,
Roger Van der Weyden. Le peintre peut aussi avoir la liberté de peindre un cadre.
Au fur et à mesure, les peintures vont :
• Choisir leur format.
Ex : Gericco, pour Le radeau de la Meduse, a choisi un format monumental
réservé aux peintures d'histoire. C'est un acte politique car à l'époque le
naufrage de la frégate n'est qu'un fait divers au XIX°s .
Les peintres vont adaptés sur le format le sujet en question.
Des qu'on parle d'une œuvre précise, il faut parler du format ( forme,
dimension, petit, moyen ou grand.
•
De reprendre ou non la composition en fonction du format. Dans le cas où il ne reprendrait
pas, il y a rupture de format.
Dans Le radeau de la Meduse, Gericco utilise une rupture de format. Dans un cadre
rectangulaire horizontal, sa composition est triangulaire, l'une tracé l'autre suggéré.
L'un des triangle n'est pas parallèle au tableau ( bord). Cela entraîne un déséquilibre.
Cependant la composition est équilibré.
Les lignes de force peuvent être suggérées par la lumière, la gestuelle, le regard et des tracés.
Dans le tableau Horace, il y a un partis pris. On montre les soldats comme des vainqueurs. On peut
noter que cette œuvre était tout aussi bien vu par des monarchiste que par des futurs
révolutionnaires.
1. Question du cadre ( effet de proximité/loin) : Le cadrage peut couper à mi-corps un
personnage pour les effets de proximités. C'est ce qui introduit le spectateur : PRINCIPE
NARRATIF.
2. Si on pense à la spatialité : il faut repérer les lignes de fuite. Cela donne des indications de
lieu et le rapport des personnages avec lui ( 1 plan , plan intermédiaire, arrière plan). Il y a
maximum 5 plans dans une œuvre.
3. Il y a les partis pris : Choix de style ; éclairage ; texture ; dessin ; couleur; ombre/lumière.
Partie historique
Au XV° siècle, l'Italie n'était pas encore un pas encore un pays unifié : péninsule, royaume de
Naples, Republique de Florence etc...
Ainsi, il y a une profusion d’œuvres car l'art est considéré comme un moyen de montrer sa
supériorité aux voisins aux alentours. De plus , il y avait une politique d'agrandissement des
territoires.
Il y a différentes manières de s'agrandir :
• L'art de la guerre
• Alliance matrimoniale ( on le voit par le portrait)
• Théorie d'Aristote/Théorie de la magnificence : On assoie sa grandeur par l'art.
C'est cette dernière manière que Côme de Médicis a choisi. Il veut le soutient du peuple, des
artistes et ainsi développer sa politique culturelle. Il développe également le mecena !
Il invente le système bancaire en prêtant aux hommes politiques.. Pour le peuple, Côme va
construire des écoles, des hôpitaux etc..
Cette république de Florence va voir sa capital, Florence, devenir au XV°siècle la capital de l'art qui
va rayonner au delà des frontières. Un état rayonnant était supérieur car il avait su utiliser l'art !
Florence va rayonné les premières décennies du XVème siècle. Côme va mettre en place le
néoplatonisme. Une école où les érudits viennent apprendre. Les disciplines ne sont pas
cloisonnées.
Dans la seconde moitié du XVème siècle, d'autres foyers apparaissent.
Raphaël est née à Ulbino.
Florence : Giotto;Massacio;Ghiberti; Fra angelico; Brunelleschi ;Botticalli ;Ponatello.
La ville de Sienne va rayonné au XIV ème siècle ; Florence au VX ème ; Rome au XVI ème ; Paris
au XVII ème grace à Louis XIII et Louis XIV. La mère de Louis XIII est une medicis. Elle va lui
donné une éducation développant les lettres, le théâtre, la peinture. Il va ouvrir une institution à
Rome également par la suite.
A Rome, le catholicisme règne. En effet, les principaux commanditaires étaient l'Eglise.
L'art majeur était l'art byzantin jusqu'au XIV ème siècle.
Ravenne, capital administrative italienne.
A Constantinople, l'art se développe grâce à l'Empereur. Jusqu'au XIII ème siècle, l'art byzantin va
dominé dans la péninsule italienne.
Des que les chrétiens ont peu pratiquer, il y a eu des lieux saints donc un développement de l'art.
Avant c'était l'art paléo-chretiens que l'on retrouve dans des grottes avec des esquisses suggestives.
Les artistes n'imaginaient pas mais peignaient ce qu'ils voyaient ou s'inspiraient d'autres cultes.
Ex : Femme à l'enfant → Isis et Osiris.
19 Octobre 2015
Jusqu'au XIII ème siècle, l'Italie était sous l'influence byzantine
Voir le Gombrich sur l'art byzantin
Christ pantocrator : Christ tout puissant. Image permettant aux fidèles de voir que cette divinité est
inaccessible. Il est aussi le juge après la mort. Il représentait de manière monumental sur un fond
d'or.
ART BYZANTIN
L'art byzantin s'est développé dans l'Empire byzantin entre la disparition de l'Empire romain
d'Occident en 476, et la chute de Constantinople en 1453. L'art produit auparavant dans la même
région est confondu avec l'art paléochrétien.
Le terme peut également être utilisé pour désigner l'art des États orthodoxes contemporains à
l'Empire byzantin, dont la culture a subi son influence, sans en faire partie réellement, comme
le premier empire bulgare, le premier État serbe ou la Rus' de Kiev. Mais aussi, pour partie, l'art de
la République de Venise et du Royaume de Sicile, qui avaient des liens étroits avec l'Empire
byzantin.
CARACTERISTIQUES DE L'ART BYZANTIN
•
Le premier élément important de l’art byzantin est le goût pour des formes géométriques
simples.
•
Un autre élément important de l’art byzantin est son caractère sacré. Les images
représentent souvent des saints, la tête auréolée d’un nimbe. La couleur de fond des icônes
et des mosaïques est souvent la couleur or, symbole de la lumière céleste. Les tesselles (les
petits carrés) dorés des mosaïques byzantines sont d’ailleurs orientés vers la lumière pour
mieux la réfléchir et accentuer le côté éclatant de certaines images. Les personnages sont
souvent représentés sous des traits fins, avec des proportions équilibrées, et dans une attitude
« hiératique » (= une attitude « posée », « raide et figée » mais aussi sacrée car utilisée pour
représenter les dieux).
•
Enfin, l’art byzantin est au service du pouvoir impérial, l’empereur (le basileus en grec)
est souvent représenté comme le représentant de Dieu sur Terre. L’empereur se fait
représenter comme un saint (nimbé), dans une position de majesté, semblable à celle du
Christ trônant dans les Cieux, et se place souvent sous la protection et la bienveillance de
Dieu.
•
L'iconostase, est une cloison, de bois ou de pierre, qui, dans les églises de rite byzantin,
particulièrement orthodoxes, sépare les lieux où se tient le clergé célébrant (sanctuaire,
prothèse et diaconicum) du reste de l'église où se tiennent le chœur, le clergé non célébrant
et les fidèles.
Cette image va être associée à celui des empereurs : barbu pour le coté philosophe et les textes
sacrés et la main en signe de prière.
Le fond d'or permet d’immatérialiser le personnage du lieu. Il met une distance entre le fidèle et la
divinité du fait que ce n'est pas une couleur naturelle. C'est cette règle qui va être remis en question
au XIII°siècle.
A Ravenne, il y a beaucoup de mosaïques. Ainsi le fond d'or devient également un signe de
richesse.
Sur les fresques les personnages sont en lignes, les têtes deviennent isocéphales. Avant le XIII ème
siècle : les personnages sont « plaqués ».
Le commerce est prospère. C'est ce qui amener à une urbanisation des villes, un développement des
système bancaire et de la place du marché au détriment de l'église. Ainsi une inquiétude spirituelle
naît. Est ce que cette enrichissement est compatible avec la religion ? L'argent ne me corrompt il ?
Cette question va entraîner une aspiration à la pauvreté. Des gens vont donner leur argent ou
commander des tableaux religieux : Les indulgences.
Basilique d'Assise. François, un garçon issue d'une famille aisée entend Dieu (lol). Il lui dit qu'il est
présent dans toute créature vivante. Ainsi il s'engageait dans un cheminement spiritueux en Italie
pour prêcher sa parole. Il fait veut de pauvreté, d’honnêteté etc.. Innocent 3 entend les faits et gestes
de François et dans un rêve il le voit soutenir l’Église. Il prend sa comme un signe et va le
rencontrer. C'est comme ceci que l'ordre des Franciscains va naître. En 1228, François meurt et fut
rapidement canonisé. Ainsi les représentation iconographiques vont changer. Saint François va être
représente !
Edouard 9 va souhaité une restauration de la Basilique de François d'Assise. Sur les murs, il a
voulue représenter la vie de François. C'est GIOTTO qui va entamer le chantier entre 1297/1299.
Giotto (1267- 1337 ) appartient au même siècle que François cependant il ne l'a jamais vu. Ainsi
Giotto va observer la réalité pour mettre en scène François afin de rapprocher le fidèle de François.
Giotto a compris qu'il faut prendre la vision empathique grâce à l'expression d'un visage, d'une
émotion pour réaliser ce rapprochement. Ainsi il va délaisser le fond d'or. Dans la basilique, il y a
28 images représentant la vie de François : →NARRATION . Ainsi GIOTTO, à la fin du XIIIème
siècle, va emmener l'art à la modernité. Le fond d'or va être remplacé par le bleu. A partir de là, il y
a une conquête de la réalité.
Dans la basilique d'Assise, les positions et gestes sur les fresques sont travaillés pour la narration.
Giotto cherche une illusion du lointain. Il va le faire de manière empirique. Ainsi Giotto va être l'un
des premiers à travailler la profondeur.
Apparition à Arles de GIOTTO
-Il y a un fond bleu.
-L'architecture donne un effet de profondeur.
–
Les personnages assissent et de dos permettent d'introduire le spectateur dans l’œuvre.
On remarque une variété des personnages, des attitudes. Ceci découle du fait que Giotto a
observé l'Homme.
Site : aller voir : Web Gallert of Art
Prédelle : scène qui explique: NARRATION
Chapelle de L'arena Padoue de GIOTTO
Mécène : Scrovegni
Thème : cycle de la vie de Marie et du Christ.
NB : Ceci va inspirer Bil VIOLA, un maître de la narration. Ref Going forth by day 2002.
Expérience de Brunelleschi en 1416
C'est à l'architecte, ingénieur et sculpteur florentin Filippo Brunelleschi (1377-1446) que revient le
mérite d'avoir démontré les principes de la perspective linéaire ou "artificielle" (par opposition à la
perspective "naturelle" de la vision humaine qu'étudie l'optique).
Il en fait la démonstration à partir d'une expérience réalisée sur la place San
Giovanni à Florence en 1415 avec un miroir et un dessin monté sur une planchette.
Il réalise d'abord un dessin du baptistère de Florence selon une perspective
rigoureuse (ligne d'horizon, point central et lignes convergentes). Son dessin est
monté sur une planchette dans laquelle il a percé un trou pour voir l'image du
baptistère de la cathédrale se réfléchir dans le miroir. Ainsi, n'importe quel
observateur se tenant à l'endroit où le dessin du baptistère fut réalisé, peut constater qu'il se
superpose parfaitement à l'édifice réel, créant ainsi une illusion parfaite de la réalité.
Si Brunelleschi fut celui qui a démontré les principes de la perspective linéaire, la
véritable explication scientifique du phénomène sera réalisée par le théoricien et
architecte, Léon Battista Alberti(1406-1472) dans son traité Della Pictura (1435). Il
y explique que l’œil constitue le point de vue à partir duquel se construit une
pyramide visuelle, l’œil étant le sommet et la surface plane du tableau où se forme
l'image constituant la base.
« Alberti en déduit ce qu'il appelle la construzione legittima : cette méthode consiste à déterminer et
à tracer tous les points
d'intersection des rayons visuels avec le plan du tableau. On obtient ainsi une mise en perspective
très rigoureuse et applicable
à n'importe quel type d'objet ».
Chapelle Brancacci. Eglise Santa Maria del Carmine à Florence.
Peintres ayant travaillé sur les fresques : Masolino en 1424 ; Masaccio en 1427, Filipino fr 14801485 .
Sujet : La vie de St Pierre
Dans Nord de l'Europe, on reconnaît la texture ( tissu etc) dans une peinture a contrario du
Sud de l'Europe.
Détail d'une des peinture de la chapelle : Le paiement du tribu par Masaccio
Masaccio va couper en 3 sa peinture pour la narration et la temporalité.
Les disques ( auréoles ) en perspectives n'apparaissent quand 1416.
Trinité 1425-28
Peintre : Masaccio
Dimensions : 667*317 cm
Cours du 2 Novembre 2015
Alberti a trois préceptes : Histoire, Variété et Dignité
Histoire :
L'histoire doit être présente dans toute œuvre. Exemple : Le paiement du
tribu de Massacio où il a coupé l’œuvre en trois scènes. ( Amorce de la
BD). Il faut de la Narration.
Variété :
Pour que l'histoire soit lisible, il faut qu'il est de la variété dans l’œuvre.
C'est à dire au niveau des émotions, des positions, des décors etc... Cette
variété va amenée à une théâtralité exacerbé qui amène à une lecture plus
lisible.
Dignité :
Une œuvre doit être digne. L'artiste doit en faire assez mais pas trop.
L’artiste doit arriver à jauger son œuvre.
La Piéta
Masolino
Fresque
80*118 cm
Cette œuvre a inspiré un artiste contemporain, Bill VIOLA.
On retrouve cette inspiration dans Émergence dans THE
PASSIONS une vidéo datant de 2002.
>https://www.youtube.com/watch?v=zrkwJosTaOg
Bill Viola, un des plus grands artistes contemporains actuel, artiste vidéaste. un corps qui va mettre
en scène lui même au départ pour faire passer des émotions sensations. Puis des acteurs qui
mettront en scène la théâtralité, sacralité des œuvres (le corps est sa matière). Il est en résonance
avec Masolino. Ce qui marque les œuvres de Viola est sa fragilité, mais en même temps sa force car
tout peut sembler paisibles jusqu’à un moment ou tout s’écroule et cela créait un contraste de
violence indéniable. Le son est toujours un point essentiellement important dans ses œuvres. Il a
toujours été fasciné par l’eau est la vie sous marine. c’est ainsi que l’eau devient l’élément
précurseur de la plupart de ses œuvres. La vie psychique pour Viola est organisé. Ce qui
accompagne l’image est un espace temporel dont le spectateur n’a pas conscience. Il y a tout un
travail de la conscience qui travaillé par l’artiste. « He weeps for you» il montre une goutte d’eau
tombant d’un tuyau de cuivre. La gouttelette est agrandie de façon à refléter la pièce environnante et
ses occupants. Un bruit sourd résonne lorsque la goutte touche le sol, ce qui donne à cette action
apparemment anodine une inquiétante étrangeté. Cela donne un aspect cognitive et scientifique qui
rend fascinant l’image. Tout est enregistré, dupliqué ce qui rend poétique le son frappant
l’intellectuel et le spirituel. Le tournent de Viola est une œuvre qui remonte à la époque florentine
(Renaissance: Pontormo) quand il aperçoit des femmes dans la rue au moment du déjeuner qui se
saluées. C’était un jour de vent donc leur habits flottaient dans les airs. Il se trouvait en voiture et
par le cadrage de sa vitre il s’est réimaginé une œuvre de la Renaissance qu’il lui avait plu des
années auparavant. Des femmes qui se saluaient vêtues de drapés (Greetings). Il s’inspire depuis
cette pauvre à des peintures anciennes, ce qui l’intéresse n’est pas de reconstituer exactement la
mise en scène du peintre, mais d’explorer les sentiments qui sont à l’origine de l’œuvre et qui sont
exprimés dans celle ci. Selon lui la tradition chrétienne occidentale n’est pas seule propriétaire de
l’expression d’événements dramatiques comme la Crucifixion et la Résurrection. La mort est
toujours présente dans ses œuvres mais encore plus suite à la mort de ses parents vers les années 80
(la mère) et 90 (père). Suite à la mort de son père il a compris ce que c’était la passion. L’expression
des âmes. Il va donc se pencher sur la douleur, l’extasie…. des gens. Il se consacre presque
entièrement à la création d’installations. Sa recherche sur la forme et la lumière ainsi que son intérêt
pour les textes religieux s’expriment dans des projections d’images de grandes dimensions. A partir
de 86, l’artiste va évoluer dans son style. Il va beaucoup voyager et va s’intéresser de plus en plus à
la philosophie orientale à la littérature mystique. Il va porter un intérêt aux textes religieux qu’il
étudiera. Il va faire une réflexion sur la condition humaine et notamment sur le entre la vie et la
mort. Il filme la vie de façon brutale avec une dimension zen.
REPORTAGE SUR BILL VIOLA
B.V est fasciné par l'eau et travaille énormément la bande son. Il a l'habitude de filmer avec une
camera prenant 300 images par seconde et de mettre en vidéo au ralentie pour créer une dilatation
du temps.
Il expérimente plusieurs sujets comme la mort, le temps, de ma matière , de l'eau etc...
Paolo UCELLO 1397-1475
Bataille de SAN ROMANO
180*320 cm.
Tempera sur bois.
Panneaux conservés à la National Galerie à Londres.
Vocabulaire
Condottiere :Chef mercenaire italien au Moyen-Age.
mazzocchio :Le “mazzocchio” est la géométrisation du couvre-chef florentin “a cercine”, c’est-àdire en forme de cercle
gothique international : Le gothique international (ou style international, ou art européen vers
14001) est une phase tardive de l'art gothique qui s'est simultanément développée sur les
terres franco-flamandes, en Bourgogne, en Bohême et dans le nord de l'Italie entre la fin
du XIV siècle et le début duXVe siècle avant de se propager largement à travers l'ensemble de
l'Europe occidentale et centrale, justifiant ainsi le nom donné à cette période par l'historien
d'art français Louis Courajod à la fin du XIXe siècle.
Les panneaux représentent la victoire de Florence. Cependant on a pas vraiment l'impression d'avoir
une scène de bataille.
Tableau gauche
Suggestions de profondeur :
•
Le cadavre en raccourcis
•
Les différents plans
•
La disposition des morceaux de lance.
Néanmoins le cheval blanc ne semble pas réel mais plutôt un cheval de bois.
Tableau central
•
travail des détails, des habits
•
travail de la lumière et de formes géométriques
Tableau de droite
Le dernier tableau est les plus moderne. Le travail des couleurs est différents et rend mieux. Les
armures sont faite en feuilles d'argent.
Le mazzochio idéalise la scène. En effet, cet ornement d'apparat
n'est pas porter pour les batailles car trop lourd et encombrant.
Il va jouer avec les jambes des soldats , des pantalons et des pattes
de chevaux pour travailler la profondeur grâce à la confusion. Il
utilise également le même système dans le registre supérieur avec
les lances. De plus, il utilise une palette de couleur plus restreinte.
Feuilles d'argent pour réaliser les armures.
Funerary Monument to Sir John Hawkwood
1436
Fresco, 820 x 515 cm
Duomo, Florence
PIERRE SOULAGES 1919
peinture triptyque 181*244 cm 2009
Vocabulaire
Outre-noir ; noir lumière ; peinture informelle ; monochrome ( mono pigmentaire)
Interview de SOULAGES
Il ne travaille que le noir.
Œuvre en lien avec le travail de SOULAGES
MALEVITCH
Carré noir sur fond blanc, 1915, huile sur toile
Le Palais royal était avant le palais cardinal. En 1624, Richelieu achète un hôtel particulier, l’hôtel
Remdouillet pour être proche du roi qui séjourne au Louvre. L'achat commence en 1630, rue St
Honoré et Richelieu demande à Jacque Le Mercier de construire son palais. LE MERCIER est une
architecte du genre classique s'inspirant de l'art greco romaine. Ce style d'architecture est
caractéristique du XVII°siècle avec ses colonnades et fait écho à celles du Louvre.
1642 : Le palais cardinal est presque terminé mais Richelieu meurt. Ainsi dans son testament il
lègue tout au Roi Louis XIII.
1643 : Palais cardinal devient Palais Royal car il va heberger le futur roi Louis XIV et la reine
d’Autriche.
→ lieu de résidence pour la famille royal.
A l'heure actuelle, le palais royal a été aménager par le secretariat du conseil d'Etat.
1986 L'état commande à Büren : « Les Deux Plateaux » ou colonnes de Büren ( travail in situ)
→ origine de scandale à son installation et à sa restauration
1966 : grammaire visuelle : terme utilisé ses bandes ( par Büren) qui font 8,7cm de large.
Büren souhaite démystifier la peinture.
1969 : Büren va se retrouver dans le groupe BMPT ( Büren, Mosset, Parmentier,Taurinie) qui est
une groupe de jeunes artistes qui veulent démystifier la peinture. Ils montrent que la peinture est
une couleur, un geste, une matière. Ils remettent en cause l'illusion de la peinture.
George Rousse
Pour lui, la photo est la mémoire d'une action, d'un lieu. Il utilise beaucoup l'anamorphose dans ses
créations. Ainsi la photo de ces œuvres laisse planer le doute sur la réalisation de son œuvre.
Influence de G. ROUSSE
Diorama de Louis Daguerre ( 1781-1881) 1840 Eglise St Gervais, BRY SUR MARNE
Eugène atget, La rue de la Parcheminerie après la démolition, mars 1913
Bernard et hilla Becher ( 1931-2007/ 1934 -?)
loomis coal / wiles Barre pennsylvania 1974
Kurt Schwilters le Merzbau
Cathédrale de la misère érotique 1924-37
→ echo à G.ROUSSE, Le Blanc de Mesnil 2006
Henri MATISSE, l'atelier rouge, 162*130 cm, peinture à l'huile, MOMA NY
→ echo à G.ROUSSE Embrasures 1987
Gordon MATTA CLARK, Splinning 1974, extérieur/intérieur, déconstruire l'architecture.
Rembrandt, Le philosophe en méditation, 1632, 28*34cm, LOUVRE
→ avec le
clair/obscur,
l'escalier qui est
le squelette d'une
architecture
symbolisant
l'élévation.
George ROUSSE 23 rue Suger
Vermeer 1665/67 L'art de la peinture
→ echo G.ROUSSE Sangma, Clermont Ferrand 2000
UTOPIA de George ROUSSE
lieu abandonné → sujet, atelier , mise en scène,en peinture.
1 ère phase : peinture figurative, il peignait des personnages sur les murs.
2ème phase : Puis il l'est construit comme des sculptures avec des hachures.
3ème phase : utiliser de la peinture
Rousse fait des polaroids qui servent à fixer le lieu avant le travail et lui permet de suivre
l'évolution. Si l'espace est trop petit . Il découpe le lieu.
LA PEINTURE FLAMMANDE AU XV°EME SIECLE.
Artistes :
Robert CAMPIN , le maître de flemalle 1378/1444
Jan VAN EYCK 1390_1400 / 1441
Rogier VAN DER WEYDE ? 1400 1464
Ils ont introduire la peinture à l'huile.
Van Eyck sera le premier à réussir à travailler pleinement avec la peinture à l'huile.
→ la technique va se diffuser
CAMPIN, Annonciation 1420, 61*70, Bruxelle
Tableaux flamands sont souvent des petits formats sur des supports bois et en tryptique, retable,
dyptique, polyptrique
L'annonciation est beaucoup abordée par les peintres flamands dans des intérieurs pour rapprocher
le fidèle grâce à cette espace familier.
y a un intérêt de l'intérieur avec des meubles, des objets de la vie courante. Ces objets vont passer
de simple élément de décors à des éléments charger d'une nouvelle symbolique.
----> NATURE MORTE
COMMENT REPRESENTE CETTE ESPACE ?
Cette question est soulevé par GIOTTO mais aussi par les peintres flamands ( Ref : annonciation de
CAMPIN)
Les peintres flamands ne sont pas au courant de la perspective à point de fuite unique de
Brunelleschi. Il faudra attendre la 2ème partie du XV ème siècle pour cela. Avant, les peintres
flamands faisaient de manière empirique.
La peinture flamande est très minutieuse et va permettre de pouvoir être une fenêtre sur le monde.
Puisqu'ils ne maîtrisent pas la perspective, ils vont compenser ce manque par leur minutie dans la
représentation des matériaux et de la représentation du réel et des détails.
TAILLE DES TABLEAUX :
Les petits formats vont amener le spectateur a se rapprocher de la peinture et donc de regarder plus
en détail.
CAMPIN, retable de Merode , 1425 ( echo à masaccio),New York, panneau central, 64*63cm.
Panneau gauche : commanditaire en train de prier devant la porte ouverte
Panneau central : la bassine et le linge représentent la pureté.
Mouvement figé : bougie qui s’éteint, page qui se tourne qui sont du au courant d'air de l'ange.
Les attitudes sont également figées : visible grâce au parti pris de la lumière et des contours des
drapées qui sont presque angulaires.
→ la lumière est très violente. Comme si il y avait une lumière vive sur chaque élément.
Les ombres portées fortes peuvent dédoubler les objets.
Annonciation, Campin, 1420
La vierge et l'enfant ,1430,CAMPIN, Londres
La sainte trinité,1410,148,7*61cm
→ la volonté de l'illusion extrême du trompe l’œil avec une palette
réduite et une lumière violente.
Campin, 142,/1430, Robert de Masmines
Les peintres flamands vont aborder le visage d'un portrait comme une texture. Le grain de peau est
représenté avec détail. Les yeux comme une surface réfléchissante. Cependant ils ne sont pas encore
dans la retranscription d'une âme/émotions.
VAN EYCK, Turban rouge,1433, 25,*19, ( autoportrait )
→ lumière dure et diffuse / drapées et ombrages.
VAN EYCK va être au service du Duc de Bourgogne enfin le fils du frère du roi, Philipe LE BON.
Il va appeler son avocat, Rollin, qui deviendra son chancelier plus tard. Van EYCK va permettre
une alliance matrimoniale au portugal. Ces voyages va lui permettre de voir de nouvelles influences
des paysages mais aussi de diffuser/apprendre des techniques/connaissance dans les ateliers.
La peinture à l'huile sèche plus lentement, ce qui est un gros avantage. Cela permet de travailler en
couche de transparence et ainsi élargir la gamme des nuances. Mais cela permet aussi à la lumière
de passer jusqu'au support de la peinture qui réfractait beaucoup cette lumière ( car fond blanc).
Sainte Barbe,1437, inachevé, VAN EYCK
On voit bien le gesso ( fond blanc). Il effectue un dessin minutieux et le reproduit sur le gesso
blanc.
VAN EYCK, dresde, 39*24, Annonciation
Trompe l'oeil.
Polyptyque, retable de Gand, Van Eyck, belgique
FERMER
375*270cm
3 registres
les fenêtres plus évoluées.
OUVERT
520*270
Adam et Ève font écho à ceux de
Masaccio cependant l y a une
nudité réaliste.
Panneau central, registre inférieur :
détail de la nature : +100 variétés
végétales/
premier détail dans le ciel : les
oiseaux
VAN EYCK, crucifixion, 1425-30
Dans le ciel, le peintre a peint de vrais nuages.
Il représente également de vrais bâtiments en arrière
plan. Il réalise ceci grâce a des recherches, croquis.
VAN EYCK Vierge au chancelier Rolin, 66*62cm
On remarque que la peinture flamande se rapproche de plus en plus d'un point de fuite unique.
Le rouge d'un manteau de Marie représente la passion d'avoir perdu son fils.
Il y a deux formes triangulaires, se sont les 2 personnages.
En arrière plan, on voit un paysage profane :
Le pont : évoque le traité entre le Duc et le Roi de France. Où une croix sera érigée sur le pont ou le
père du Duc a été tué et une église doit être érigé au bout de ce pont. Ce qui est le cas.
C'est une œuvre exceptionnel puisqu'on ne represente pas un profane ( Rollin) directement en face
du Christ et égale à a vierge. Ni le fait que le Christ bénit directement.
Cette œuvre a été peint sur 3 planches de chêne.
Les époux Arnolfini,Jan van eyck,82 cm x 60 cm, 1434
Vêtements très recherchés :
Houppelande de velours doublé de
fourrure avec un dessous un pourpoint
noire. Chapeau de feutres ras
Robe ceinturée par un bandier. Manches
pertuisées avec en dessous une cotte
bleu. Huve de lingerie ( coiffure
caractéristique flamande).
Coiffure : Huve, Hennin, truffeaux
Ce n'est pas un portrait mais un
sacrement religieux : le mariage.
Van Eyck est le témoin car à l'époque, il
n'était pas obligatoire de passer devant
un prêtre.
Chien : fidélité
Bougie : présence divine
Van Eyck réussit à consilier le profane et le sacré.
Saint Luc, Van der Weydan, 1434-35 ( élève de CAMPIN), triptyque du Miraflor
Donne l'impression d'être à l'extérieur grâce à l'architecture et la position des personnages.
Descente de croix, Van der weydan, 220*262cm,1435–1438,Musée du Prado
Jamais un peintre flamand ne s'était penché sur les émotions.
Construction : ligne verticale centrale / tableau fini et fermé par des courbes ( positions
personnages) / écho de positions entre le Christ et la Vierge Marie. / Fond d'or qui referme l'espace/
Tons chauds et Froids/ Techniques des drapées entre Campin et Van Eyck
visage du christ : détail du drapées/ détails barbes et couronne/ émotion-mort
Femme qui pleure ( en haut à gauche) ! → conquête des affections des affections/émotions)
Les 1er larmes qui coulent représentent une surface qui réfléchit la lumière et zoom le grain de
peau.
1440 construction en perspective dans la peinture flamande.
Cours 30 novembre
Petrus CHRISTUS (1410-1472/73) est le premier flamand à
parfaitement construire la perspective à point de fuite unique.
Portrait de jeune femme vers 1470, huile sur chêne, 28*21cm,
Berlin.
Il y a des échanges de savoir entre les Flandres et l'Italie :
→ avancement dans les portraits. Les arrières plans s'éclaircissent.
Désiré DOLRON, née à Haarlem1963 au Pays Bas est un
photographe photojournalistique qui est fortement influencé par la
peinture flamande
1. exaltation 1991-1999
2. Gaze 1996
3. Xterior 2001-2006
1. Intéressement sur le corps humain qui est sujet avec des objets de
rituel.
2. Homme et femme dans l'eau ( Echo : à Bill Viola)
3. Met en scène des beautés typiquement flamande via le portrait du
genre flamand. Ces œuvres sont plutôt silencieuse. Il y a une mise
en distance, une question de l'espace.
Vilhelm Hammershois interior with young man reading 1898
Christian TAGLIAVINI 2010
écho Lucrezia,1503, de la peinture italienne et flamande et magneriste
Il a une manière de travailler les costumes, décors. Ses vêtements sont fait en papier et il joue sur
les différents papiers pour faire l'illusion.
*Petrus CHRISTUS, portrait d'un chartreux*,1446 , huile ur bois,29,2*21,6, New York,
Metropolitan Museum of Art
Cette œuvre introduit la perspective avec les coins de murs. Mais il présente pour la
première fois un insecte peint : la mouche.
Rechercher la symbolique de la mouche
Portrait d'edward Grimston 1446
Dans cette œuvre on remarque une évolution du décors qui est
plus développé.
*Saint Eloi dans son atelier ou Saint Eloi orfèvre* , 1449, huile sur panneau, 98*85cm, New
York, Metropolitan Museum of art
Dans cette œuvre, certains objects ont une symbolique :
Carafe : la pureté
Miroir : élargie le champs de la représentation
L'homme au fecon : le peintre Petrus.
Quentin METSYS 1406-1530, Le prêteur et sa femme 1514, huile sur panneau,71*68cm, Musée
du Louvre, Paris.
C'est une scène profane mais pour compenser l'attrait cupide de l'argent représenté, l'auteur a placé
une Bible afin de ne pas être censuré. On y va encore un miroir qui élargit l'espace.
Jérôme BOCH : Le char de foin 1500-1502, retable religieux,huile sur bois, 135*190cm, Musée du
Prado, Madrid.
Cette composition plastique ressemble à l'art asiatique à cause de la profondeur traité par couche
successive.
Caractéristiques : rappelez à l'homme qu'il doit avoir une vie exemplaire, critique la société
et leur péchés.
Contexte difficile : L’Église va mal. ; Constantinople chute face aux Ottomans ; changement
de siècle.
Rable va écrire des textes qui vont inspirer BOCH comme Brant
Cette littérature régionale remplit de légende, va nourrir l'imaginaire de BOCH. D'ailleurs,
BOCH va être le premier
à mettre sa signature sur
ses œuvres.
Sur le tableau, on voit le
désarroi de Dieu. BOCH
pointe du doigt la cupidité
humaine menant au chaos.
Les anges déchus se
transforment en monstre.
BOCH, Jardin des
Délices
Dans cet œuvre, le peintre condamne le péché de luxure. On peut également voir une palette de
couleur lumineuse et une profondeur en palier.
L ENFER
St Jean, BOCH, 1504-1505. Il trouve l'illusion de la profondeur par la juxtaposition des tons
chaud/froids
Lucas SIGNORELLI 1450-1523, les damnés (détails),1499-1502,
fresque, Chapelle
Le livre des morts , la pesée des cœurs de Néféroubène, Nouvel
Empire, XVIII ème dynastie, Paris, Louvre
NB : Anubis et Seth sont noirs → mal
L’enfer, livre des heures,1480, enluminure, Victoria Albert Museum, Londres
Le pont n'est praticable que pour les âmes pures.
SIGNORELLI, saint Augustin,XV°ème siècle,
BNF
GIOTTO, Chapelle Scrovegni, Padoue, détail.
Albi, Jugement dernier, Fresque
Michel Ange, Jugement Dernier
Rubens, Chute des anges rebelles,1620
Brugel 1525-69, Chute des anges rebelles
Gustave DORE : -l'enfer, illustration de la divine comédie de Dante,1861,
–
L'ange Déchu
–
Dante et Virgile
RODIN, porte de l'enfer, Bronze.
Williams Bouguereau, Dante et Virgile, 1850, huile sur toile
NB : il fut fortement influencé par Dante et
Virgile de DORE
Le thème de l'enfer est très présent au 19 ème siècle
et également au 20ème.
« L'enfer c'est les autres »
Ref Guarnica de PICASSO, pdt la 2ème Guerre Mondiale.
DALI est influencé par BOCH : → le grand masturbateur
Le jardin de délire,2008, de Gerard RANCINAN fait écho au Jardin des délices de BOCH.
RANCINAN :
–
Liberté dévoilé écho à la liberté guidant le peuple de DELACROIX
–
Le radeau de l'illusion écho au radeau de la méduse de Gericault
Interview de RANCINAN
Prise de note : Petit bonheur qui se balade dans un monde trop vaste. Photo simple, regard sur notre
époque et société. Détails des choses puis maintenant large et avec plus de de recul. Regard sur
l'homme.
Baroque : festin des barbares
Son rôle racontait le monde. Le fond doit être en accord avec le sujet. L'artiste doit montrer l'autre
tel qu'il est. Trilogie des modernes : 1er grand changement de ce siècle. Décadence de Rancinan.
Quentin METSYS, Vieille femme, 1525-30, huile sur bois, 64*46cm, National Galery, Londre
→ peinture flamande rationnelle
La duchesse dans Alice au pays des merveilles par John, Tennie, 1820
Leonard de Vinci, Grotesque 1500-05, 390*280mm, Oxford,
→ déformation des corps humains.
METSYS Portement de croix, 1515-16, huile sur panneau,174*81cm
Bruegel : Chasseur dans la neige,1565, 117*162cm
Dans cette œuvre on remarque que le sujet est plus recentré sur l'homme, que c'est plus profane.
C'est une scène de genre. En arrière plan, il y a plein de choses : enfants qui font du patin, des
chariots etc..
Jeux d'enfant, 118*161cm,1559*60
Ici c'est un regard sur la société. Le tableau vibre au vu du nombre de personnages.
Les proverbes flamands,1559
Il y a 119 proverbes évoqués dans cette peinture.
Antello de Messine 1430-1479, St jerome dans son atelier 1475, huile sur
bois,46*36cm, national gallery, Londre
1er a concilier les innovations flamandes et italiennes.
Architecture gothique, mise à distance du spectateur.
Crucifixion ,1475-76,Anvers, Messine
-Construction basique mais les corps se dénudent : capacité
d'observation anatomique
-Introduit le mouvement du corps
Saint Sébastien ,1475-76,141*85cm, Dresde, Messine
-Son corps possède les proportions idéales décrites dans le texte de
Vitruve
-Les lances font des lignes de fuite.
NB : St Sébastien est toujours représente avec des flèches plantés
car il est le saint contre la peste.
Saint Sébastien, 68*30cm,MANTEGNA (1456-1459)
Saint Sébastien, Pierre et Gille 2009 photographie peinte.
American Saint Sébastien, RANCINAN 2013, photographie.
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