10 ERREURS A EVITER DANS VOTRE PRATIQUE MUSICALE

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10 ERREURS A EVITER DANS VOTRE PRATIQUE
MUSICALE

La pratique musicale est une activité incroyablement gratifiante pour
notre être. Il n’y a rien de plus naturel que de faire chanter son âme à
travers son instrument ou sa voix.
C’est pour ça que des milliers et des milliers des gens de tous âges
essaient d’apprendre la musique.
En même temps, elle demande du temps, elle nous pose les défis à
surmonter, elle peut rendre désespéré, si l’on n’arrive pas à trouver la
solution.
Typiquement on apprend des expériences des autres, on trouve des
profs, on discute avec d’ autres musiciens.
Et là, on peut avoir de bons conseils et de conseils moins bons.
Certaines choses fautives sont si répandues qu’elles sont considérées
comme une connaissance commune et on ne se pose même pas de
question. Mais elles restent quand même erronées :
n 1. On apprend le morceau quand on joue au tempo lent.
Le tempo lent nous donne plus de temps pour gérer les facettes
nombreuses de l’exécution de la musique, c’est pour ça qu’il semble
plus facile à faire en tempo lent qu’au tempo réel.
En même temps, on ne remarque pas des pièges qui vont se manifester
dès que le tempo augmente.
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La répétition du morceau au tempo lent solidifie les actions
corporelles et cérébrales et celles deviennent de plus en plus difficiles
à changer après.
Travaillez votre morceau partie par partie, mesure par mesure, s’il le
faut, mais faites en sorte de les jouer au tempo réel avant de tenter
d’exécuter le morceau entier.
n 2. Il faut pratiquer son instrument beaucoup pour exceller en
technique.
Quand on entraîne le corps, on n’entraîne pas forcément le cerveau.
Surtout si la pratique devient répétitive, on a tendance à ne plus se
concentrer sur ce qu’on fait.
Au lieu de s’entraîner, on commence à faire des choses
machinalement et cela bétonne ce qui n’est pas correct ou optimal. Il
faut chercher à créer la musique au lieu de jouer les exercices.
Clara Schumann, la femme du compositeur, elle-même pianiste très
accomplie, était incroyablement créative à ce propos. On dit que ses
concerts étaient une révélation pour ses collègues musiciens comme
pour le public au niveau de la musicalité, de la passion et de l’humour,
mais dans le programme il n’y avait que les Études de Carl Czerny !
Cherchez la musique dans les exercices et rendez-vous compte que
moins, c’est plus. La technique va se raffiner avec le temps, si vous le
faites régulièrement. Mais il vaut mieux passer 10 – 20 – 30 minutes
en faisant quelques choses de créatif que 5 heures d’une répétition
machinale.
n 3. La mémoire musicale et la dextérité corporelle se dégradent
avec l’âge.
Ni l’une, ni l’autre ne le font. Pourquoi, donc est-il plus difficile
d’apprendre un instrument, si l’on n’est plus jeune ? Les raisons
peuvent être différentes.
Par exemple, la méthodologie qui convient pour un jeune enfant ne
s’applique pas directement à une personne adulte. De l’autre côté, on
peut avoir l’impression de ne plus être assez réceptif, en ce cas il faut
forcément chercher en soi pour retrouver la fraîcheur de la perception.
Le passé peut s’opposer aux nouvelles expériences, surtout les
expériences alternatives, et intuitivement le corps se ressent en danger,
quand on lui demande à faire de nouvelles choses.
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La bonne nouvelle est que l’approche consciente de l’apprentissage
peut contourner de telles résistances indésirables, tandis que
l’expérience de l’âge, si elle est correctement appliquée, donne un
grand avantage pour optimiser son travail et pour remplir la musique
de sentiments profonds et matures.
n 4. La lecture de partitions à vue et le déchiffrage sont difficiles.
C’est normal de progresser lentement.
Si on ne lit la musique que ponctuellement ou que l’on continue de
jouer les morceaux qu’on connaît depuis toujours, le progrès devient
en effet très peu visible.
Mais il n’est pas normal de progresser lentement. Cela nous prive de
confiance et on perd l’enthousiasme pour continuer.
Pour optimiser le processus, il faut simplifier la tâche complexe de la
lecture et acquérir la capacité de faire bien chaque facette — lecture
en clefs, rythmes, compréhension de la notation musicale etc.
Chaque aspect en soi est relativement facile à apprivoiser, on n’a pas
besoin d’années pour l’apprendre.
Ainsi, la lecture de partition devient facile, en fait aussi agréable que
la lecture d’un texte et le vaste répertoire des nouvelles musiques
devient tout à fait accessible.
n 5. ll faut travailler le problème de confiance en soi
profondément ou appliquer des techniques psychologiques pour
gérer les nerfs devant le public.
Le stress nous attaque quand nous ne sommes pas sûrs de ce que nous
faisons, c’est normal. Cela n’est pas comme d’être joyeusement excité
dans l’attente d’une occasion importante.
Mais d’une manière ou de l’autre, s’il vous prend dans son étau, il
vous devient très difficile de vous reprendre pour exécuter votre
musique. La seule chose qui puisse vous protéger est l’expérience.
Développez votre propre code de spectacle — comment vous entrez,
saluez le public, approchez votre instrument, jouez le morceau,
comment vous vous levez après avoir joué ou chanté et saluez les
spectateurs avant de sortir.
Répétez ce code jusqu’à ce que cela devienne votre deuxième nature.
Quand vous montez sur scène pour de vrai, appuyez-vous sur le code

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dès que vous sentez que le stress commence à monter. Le travail
psychologique sur la confiance est facultatif.
6. Avant de penser l’interprétation, il faut d’abord apprendre le
texte.
L’interprétation d’un morceau de musique est une question de choix
personnel. Chaque aspect est important — tous ce que vous décidez
d’introduire selon vos préférences et votre goût.
Dès que vous approchez l’instrument, vous commencez à matérialiser
l’interprétation et, si les choix ne sont pas faits à l’avance, vous
risquez de créer une interprétation involontaire qui ne reflétera pas du
tout ce que vous voulez faire.
Certainement, les détails peuvent changer avec le temps, mais vous
devez former l’idée de l’interprétation, ce que vous voulez faire avec
le morceau et, non moins important!, ce que vous ne voulez pas faire,
bien avant que le travail sur le texte s’achève.
Décidez le tempo, le style, le caractère, choisissez les sonorités et les
touchés de votre morceau, tentez de jouer les thèmes principaux et les
figures rythmiques prédominantes pour tester les résonances des
différentes parties de la musique.
Ce travail vous facilitera beaucoup le travail avec le texte plus tard.
L’interprétation se construit comme un bâtiment — les fondements,
les porteuses, les décorations, etc.
7. Il faut utiliser le métronome pour maîtriser la pulsation et le
tempo.
Souvent, le métronome fonctionne comme un bâton pour un boiteux.
Dès que le bâton n’est plus là, le boiteux ne peut plus vraiment
marcher.
La maîtrise se trouve dans l’intériorisation du sens de la pulsation et
du tempo. Il faut chercher à créer la pulsation et à définir le tempo au
lieu de les suivre.
8. Pour maîtriser un passage difficile, il faut le répéter 500 fois.
Non, les répétitions rendent votre travail moins conscient et favorisent
la fixation des défauts de technique.
Pour entamer un passage difficile, examinez le passage à la loupe,
localisez les jonctions, les pièges se trouvent toujours là.

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Faites coller les notes en tête d’abord, le corps suivra après, pas
l’inverse.
9. Il faut apprendre un morceau du début jusqu’à la fin.
L’exécution d’un morceau est une suite d’événements musicaux et
émotionnels, c’est un enchaînement des exécutions des parties du
morceau.
Ce n’est même pas la peine de tenter de jouer le morceau entier avant
que vous soyez prêt à jouer les différentes parties du morceau en
tempo réel et sans faute, parce qu’en ajoutant encore une dimension
importante à contrôler (notamment les grandes lignes de
l’interprétation), vous augmentez le stress et ne serez certainement pas
capable de bien faire.
La chaîne va se casser dès que vous arrivez au chaînon faible. Comme
avec les passages difficiles, enchaînez le tout en tête d’abord, puis le
corps va docilement suivre le cerveau.
10. Je ne suis que débutant (amateur) en musique.
Mon travail est d’apprendre, ne pas penser à toutes les grandes choses
comme la brillance de la technique ou l’interprétation.
Vous êtes musicien dès que mettez vos mains sur un instrument ou
ouvrez la bouche pour chanter.
La différence entre vous et un musicien bien entraîné ne réside que
dans les degrés de complexité du texte musical. Mais une mélodie
simple appelle tout autant de considération et de respect qu’un
concerto complexe et long.
Jean-Sebastien Bach ne dédaignait pas de ré-écrire les musiques à la
main comme un simple copieur jusqu’à la fin de sa vie, tout en étant
un grand maître reconnu.
Une petite berceuse sincère à son bébé peut être un chef-d’oeuvre
aussi beau qu’une performance devant des milliers des gens. Osez
vivre au niveau de votre rêve, soyez musicien, pas un élève !
Source :
http://oreilleabsolue.mobi/10-erreurs-a-eviter-dans-votrepratique-musicale/

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